Machado: Caminante

Antonio Machado, Proverbios y cantares, 1909

XLIV

Todo pasa y todo queda,
pero lo nuestro es pasar,
pasar haciendo caminos,
caminos sobre la mar.

...

XXIX

Caminante, son tus huellas
el camino y nada más;
caminante, no hay camino,
se hace camino al andar.

...

Caminante no hay camino
sino estelas en la mar...





Antônio Machado, Provérbios e cantares, 1909

Tudo passa e tudo fica,
porém o nosso [a nossa condição humana] é passar,
passar fazendo caminhos,
caminhos sobre o mar.

...

Caminhante, são tuas pegadas
o caminho e nada mais;
caminhante, não há caminho,
se faz caminho ao andar.

...

Caminhante não há caminho,
senão sulcos no mar…





Caminante: no hay camino | Caminante: não há caminho


Vincent van Gogh, El pintor camino a Tarascón, 1888


Alberto Giacometti, El hombre que camina, 1960


Joan Manuel Serrat, Cantares, 1987.


Francis Bacon, Estudio del cuerpo humano, 1988


Hombre-árbol, 2009


Caminante: ¿no hay camino? | Caminante: não há caminho?


Ephraim Moses Lilien, Abraham contempla las estrellas, 1908


Lo nuestro es pasar | A nossa condição humana é passar


Pasar haciendo caminos, caminos sobre la mar | Passar fazendo caminhos,
caminhos sobre o mar.

Machado: Lo nuestro es pasar haciendo camino sobre la mar. Pero, ¿es posible abordar la vida como si fuese una tabula rasa? Porque existe siempre un contexto y también una actitud. Además también acervo espiritual, principios éticos e integridad. Todos ellos pueden o no estar presentes mientras vamos haciendo camino. Machado se refiere al valor de experiencia propia. Pero, lo que dejamos en este mundo una vez que pasamos por él, ¿es tan solo estela en la mar? Indudablemente no podemos sino recorrer nuestro propio camino, pero ¿qué hay de la intención que ponemos al hacerlo? ¿No es acaso ella determinante de nada? ¿Es lo mismo quien anda inscribiendo su nombre en alguna piedra que quien, con voluntad de servicio, da de sí a quien lo necesita? La vida es andar haciendo camino, sí. Pero eso no necesariamente implica andar saltando charcos ni hacer las cosas a la que te criaste. —Mariano Akerman



¡Avancen nomás muchachos! Imagen dedicada a quienes proclaman que la vida es solo un pasar haciendo estelas sobre la mar.


ESTELAS EN LA MAR... o "Todo es igual, nada es mejor". El que 2caminante no hay camino, se hace camino al andar", a esta altura del campeonato, todos lo sabemos muy bien. Difícil de aceptar es la idea de que la huella que se deja en este mundo no sea sino una mera estela en la mar. PORQUE eso implica que haga uno lo que haga, ello no tiene demasiada importancia. Tácitamente, Machado da a entender que relativa es la importancia de qué es lo que hacemos e incluso cómo es que lo hacemos. Todo lo que hace el hombre es entonces vanidad de vanidades y la vida está solo para ser consumida, cómo a uno le dé la mismísima gana. A diferencia de André Maurois, quien escribió acerca de tener un Proyecto en la vida y de esmerarse en Ser una de esas personas que nunca decepcionan, Machado nada dice de ningún objetivo significante para con ella. Hay muchos modos de hacer camino: la anomia es uno de ellos; la mediocridad y el consumismo son otros; y podría pasarme la vida enlistándolos a todos... No pienso que el hacer de quien tiene en la vida un objetivo significante deba ser presentado como mera estela en la mar. Hay quienes destruyen puentes y hay quienes los construyen. Hay quienes están en el pasatismo y quienes trascienden esa condición, especialmente a través de actos creativos o gestos nobles diversos. En el mismo lodo no estamos todos manoseados: manoseado está quien se deja manosear. Tal decisión no tiene nada que ver con el pasatismo SIMPLISTA que acaso involuntariamente EMANA de los ya mencionados versos de Machado, a los que yo celebraba cuando adolescente, pero que hoy poco y nada tienen que ver conmigo. Quien vegeta, consume y está en el pasatismo deja en efecto estelas en la mar. Con todo, Machado parece haberse olvidado de que hay en este mundo gente que es emprendedora (sin por ello ser oportunista), gente que es sensible (y no por ello sensiblera) y gente que brilla (porque se ha esmerado en aprender a encender su propia luz). Pasar pasamos todos. Hay quien vino al mundo para consumir, pero también existe quien, además de consumir esto o aquello, se hace tiempo para cultivar, para regar, para proteger, para preservar, para ver crecer, para compartir, para dar de sí a los demás, para dejar algo de sí a las presentes y futuras generaciones. Es en este sentido donde los versos de Machado popularizados por Serrat patinan y se me hunden en la mar. La grandeza de un ser no está en cómo la sociedad recibe y valora o NO su quehacer, sino en su perseverancia para con el Propósito, o sea, en su Construir Puentes. —Mariano Akerman

Programa Estímulo Vesalius

Texto disponible también en portugués e inglés


Educación: El Programa Vesalius Río 2014/2015


Consulado General de Bélgica en Rio de Janeiro





Programa Estímulo Vesalius
La obra de arte como estructura expresiva interdisciplinaria

MARIANO AKERMAN
Investigador y Disertante

Río de Janeiro, Brasil, 2014/2015





Vesalius Río 2015: Un Programa Estímulo

En una Europa donde a principios del siglo XVI aún prevalecía la oscuridad del preconcepto acerca de la real constitución interna del cuerpo humano, Andreas Vesalius consiguió desarrollar un trabajo inédito, completando la primera disección del cuerpo humano de un modo exhaustivo.

Resultado de la aplicación del método empírico, todo aquello descubierto por Vesalius fue registrado en su trabajo titulado La fábrica del cuerpo humano (1543), obra caracterizada por la sistematicidad y el rigor científico.

Hasta hoy, la contribución de Vesalius posee una importancia cardinal entre los anatomistas. Vesalius es además apreciado como un gran pionero en la lucha contra el prejuicio a través de la investigación científica.

“Veredicto primero; argumentos después” exige desde su irracionalidad la Reina de Corazones en una bien conocida obra literaria decimonónica. Y, con todo, cuatrocientos años antes, Vesalius ya había acabado con varias de las irracionalidades hasta entonces dominantes en Occidente y—lo que más importante aún—lo había hecho de un modo deductivo y convincente.

Inspirado por la luz que emana del modus operandi del médico renacentista de Bruselas, el Programa Vesalius reexamina las Artes Visuales como disciplina.

Mariano Akerman explora la naturaleza didáctica de la serie de láminas que ilustran el tratado anatómico de Vesalius, estudia las especificidades y representaciones características del simbolismo hebraico medieval, reconsidera las alegorías occidentales de la Fe, desarrolla el trasfondo existencial de la creatividad sefardita, medita sobre las razones últimas que sustentan tanto la propaganda totalitaria como aquellas expresiones que testimonian y/o evocan el mayor genocidio de la Historia, reconsidera asimismo el papel de lo Imaginario en trabajos artísticos de tanto brasileros como argentinos, para reconectarlos con algunos de sus parientes europeos.

A través de su quehacer metódico, Vesalius iluminó diversos aspectos de una realidad hasta entonces poco conocida y a menudo sólo abordada desde el prejuicio. Evocando el método deductivo del médico de Bruselas y trabajando de un modo analógico, el Programa Vesalius propone esclarecer una serie de importantes tópicos que aún permanecen un tanto oscuros y requieren a su vez una investigación endodérmica de la Anatomía del Arte.

Programa Estímulo Vesalius
La obra de arte como estructura interdisciplinar expresiva

Mariano Akerman en 12 Conferencias sobre el Tema: "Imagen y Contenido"

Río de Janeiro, Brasil, 2014/2015


Conferencias


1 Texto Sagrado y Arte Visual
2 Jaque a la Reina
3 Un Tiempo para Todo
• Ciclo: "Patrimonio e Identidad"
• Centro de Estudos Bíblicos
• R. Gen. Severiano 170 - Botafogo
• 2, 9 Setiembre, 21 Octubre 2014


4 Simbolismo Hebraico: Sus Especificidades
• y Representaciones en la Edad Media
• Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro
• Escola de História - 6ª Jornada de Estudos Medievais
• Av. Pasteur 458 - Urca
• 2 Septiembre 2015


5 Cultura y Propaganda
6 Tragedia y Recuerdo
7 Memoria y Educación
• Ciclo: "Acervo y Memória"
• Associação Scholem Aleichem de Cultura e Recreação
• São Clemente 155, Botafogo
• 4, 18, 25 Octubre 2015


8 Vesalius: El Homem en el Centro
• Istituto Italiano di Cultura di Rio de Janeiro
• Casa d'Italia, Av. Presidente Antonio Carlos 40, 4º andar - Centro
• 15 Octubre 2015


9 El Legado Sefardita en las Artes Visuais
• Instituto Cervantes
• R. Visc. de Ouro Preto, 62 - Botafogo
• 28 Octubre 2015


10 Sueños de Pintores y Configuraciones de lo Imaginario
•• Instituto Cultural Brasil-Argentina
•• Praia de Botafogo 228, Sobreloja, Botafogo
•• 5 Noviembre 2015


11 Ayer y Hoy: Alegorías de la Fe en el Arte Occidental
•• Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro
•• Departamento de Teologia - 50º Aniversario da Declaração Nostra Aetate
•• R. Marquês de São Vicente, 225 - Gávea
•• 10 Noviembre 2015


12 Expresiones en Copacabana: Las Constelaciones Interiores
•• Residencia de Bélgica
•• Av. Atlântica, Posto 5
•• 19 Noviembre 2015

Nota
Conferencia 4. Akerman, arquitecto e investigador de la Historia del Arte, estudia la relativa ausencia de figuras en la tradición hebraica (aniconismo), explorando la relación entre el texto sagrado y el imaginario visual, para caracterizar las especificidades y representaciones propias del simbolismo hebraico medieval.

Mariano Akerman
Nacido en Buenos Aires en 1963, Mariano Akerman es un pintor, historiador del arte y arquitecto argentino. Como investigador y disertante desarrolla actividades educativas que promueven la libre expresión y la participación comunitaria considerando la idiosincrasia y el contexto cultural propios de cada individuo.
En 1982 Mariano Akerman inicia sus estudios de arquitectura en la Universidad de Belgrano, de donde egresa con un trabajo premiado, La naturaleza del espacio y los límites de la arquitectura (1987).
Su interés por la Historia de la Arquitectura lo lleva a estudiar en detalle un proyecto paradigmático de Louis I. Kahn y a difundir sus conclusiones sobre el mismo a partir de 1996.
Becado por el Consejo Británico e investigando en la Galería Tate de Londres, Akerman escribe The Grotesque in Francis Bacon's Paintings (Lo grotesco en las pinturas de Francis Bacon) en 1999. El tema es retomado y ampliado en un artículo publicado en 2012.
A partir de 1981 Akerman da conferencias en instituciones tales como el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, el Museo Nacional de Filipinas en Manila, el Colegio Escandinavo Hooptes Stajärna en Taytay, la Academia Nacional de Artes en Lahore, la Universidad Quaid-i-Azam en Islamabad y el Centro de Estudios Bíblicos de Río de Janeiro.
Especializado en Comunicación Visual, Akerman desarrolla también series de conferencias, concursos, talleres y exposiciones educativas en varios países: ha colaborado con las embajadas de Bélgica, Suecia, Francia, Alemania y Suiza, incluyendo también aquellas de su país natal.
Emprendedor independiente y multidisciplinario, Akerman ha sido distinguido con doce premios internacionales en materia de arte y educación. Durante más de tres décadas de actividad, y habiendo frecuentado instituciones culturales y educativas, Mariano Akerman ha dado ciclos de conferencias tanto en Argentina como en Filipinas, Pakistán y Brasil.

Programa Estímulo Vesalius: Anatomía del Arte
La Obra de Arte como Estructura Interdisciplinar Expresiva




Programa Vesalius Río

• Vesalio en su salsa: la constancia en el propósito
• La luz de Vesalius
• Educación: llegar al hueso del asunto
• Acervo sefardí
• Mariano Akerman, CV y Referentes

Textos en portugués e inglés
• O Programa Vesalius Rio
• Consular Carta Introdutoria - Bernard Quintin, Consulado Geral da Bélgica no Rio de Janeiro
• Anatomia da Arte
• A Luz de Vesalius
• Rebel and Pioneer
• Vesaliana
• Patrimônio e Identidade
• Synagoga et Ecclesia in Our Time
• Configuraciones de lo Imaginario
• Expressões em Copacabana
• Mariano Akerman




Programa Estímulo Vesalius: Anatomía del Arte
La obra de arte como estructura interdisciplinar expresiva
Río de Janeiro, Capital Cultural del Brasil, 2014/2015



Andreae Vesalii Bruxellensis



Consulado General de Bélgica en Rio de Janeiro
Rua Lauro Muller 116/602, Torre do Rio Sul - Botafogo


Documento en sitio del autor

Vesalius: O Homem no Centro from Programa Estimulo Vesalius Rio

Espátula al desnudo

Si bien Enrique Santos Discépolo difícilmente exageraba al afirmar que "el mundo fue y será una porquería",[1] uno de los mejores antídotos ante tamaña elucubración porteña e inagotable fuente de desestabilización existencial es el descubrir la producción plástica de Néstor Rubé, cuyos acrílicos sobre papel se exhiben actualmente en la Galería Antonio Berni del Instituto Cultural Brasil-Argentina, en el Consulado General de la República Argentina en Río de Janeiro. La muestra cuenta también con los auspicios del Instituto Cervantes en Río de Janeiro y del catalán Institut Ramon Llull.



Néstor Rubé Gazzola es un arquitecto argentino y desde hace cuarenta años reside en Barcelona. A diferencia de esos veinte años que, según algún otro tango, se supone que no son "nada",[2] los cuarenta años en Barcelona, de hecho, sí son algo y, posiblemente sean además algo considerable. Prueba de ello es la expresiva producción artística de Rubé, desarrollada en parte en el Institut Sant Lluc de Cataluña. Es más, de tal producción emana un mensaje a menudo refrescante.

La obra de Néstor Rubé es figurativa y su foco de interés es el cuerpo humano. Actualmente ya jubilado, Rubé lleva a cabo sus obras a partir del natural y recurre para ello a modelos profesionales, cuyas poses registra al trabajar la pintura acrílica con espátula sobre papel. Es él un incondicional respetuoso admirador de las proporciones anatómicas de sus modelos. Además, captura con sensibilidad las actitudes corporales de los mismos.

La espátula al desnudo
Rubé pintando un desnudo masculino en Sant Lluc

Como resultado de ello surge un amplio espectro de desnudos en poses clásicas o bien que a veces no lo son tanto. Mas, indudablemente, el cuerpo humano es para Rubé el medio ideal para conjurar todo tipo de emociones y es a partir de él que todo tipo de sensaciones y sentimientos de lo más diverso afloran en el artista, quien con celeridad logra registrarlos y plasmarlos en su obra.

"Desnudos con espátula en 5 minutos" anuncia la elegante invitación para la muestra de Néstor Rubé en la Galería Berni. Y, aunque a algunos les cueste creerlo, no se trata de broma ni exageración ninguna. Rubé mismo acabó por demostrárnoslo a todos gracias a una puntual experiencia artística. En la misma, y al cabo de unas cuántas aplicaciones de su espátula cargada con acrílico, el pintor ejecutó tres obras en pocos minutos. Claro que hubo quien cronometró el quehacer de Rubé y hasta casi llegó a reprocharle que "no fueron 5 minutos, sino 4 y medio". Sea como fuere, lo cierto es que el rigor profesional que Rubé pone en práctica al realizar sus trabajos es unánimemente apreciado.

Ludwig Mies van der Rohe solía decir que "menos es más".[3] Ello es perfectamente aplicable a las obras de Rubé, donde con no más de tres colores el pintor transcribe, como si fuese una especie de taquígrafo del siglo XXI, las irresistibles voluptuosidades de la humana carne, transformándolas a todas ellas—con una maestría no exenta de considerable gracia—en poesía visual.

La desnudez de los modelos representados también es compatible con el ya enunciado lema arquitectónico. Rubé incluso llega a prescindir del vestuario, mientras que cada obra suya presenta casi indefectiblemente un único protagonista, perfectamente bien emplazado en el formato rectangular al que el pintor por lo general suele darle preferencia. En parte debido a lo notado, las pinturas de Rubé se presentan despojadas, tanto de ornato como de anécdota: es el suyo un asunto deliberadamente antropocéntrico.[4]

Efectivamente, la figura humana es la gran estrella de Rubé quien, para dedicarle un protagonismo absoluto, llega a privarla hasta de un contexto. Es por eso que sus desnudos parecen en principio estar flotando en un espacio indefinido. No obstante, una reexaminación de los mismos tiende a demostrar que, en el caso de Rubé, eso es una ventaja. No se trata de un pintor que sufre de algún desarraigo misterioso, sino de alguien que intenta aplicarle una sabia economía tanto al arte como a la vida.

El factor narrativo brilla por su ausencia en los espatulados desnudos de Rubé, donde el entorno paradójicamente se presenta como un blanquecino panorama de la nada global. Entonces cuando inesperadamente emergen algunas variopintas nociones filosóficas, todas ellas tan deliciosas como lo son inquietantes. Porque aunque poco hable acerca de ello, lo cierto es que Néstor Rubé es un no declarado adherente del existencialismo de Jean-Paul Sartre, cuyo referente cardinal no es otro que El ser y la nada (1943).[5]

Rubé, El origen del mundo, 2015

En conversación con quien escribe, Néstor Rubé eventualmente se refirió a uno de sus desnudos femeninos como “algo bastante osado”, para acto seguido precisar que el título de dicha obra era "El origen del mundo".[6] De modo claro, ello nos remite a Gustave Courbet y su célebre óleo de 1866, L’origine du monde, hoy exhibido en el Musée d’Orsay e involucrando un prominente escorzo parcial, provisto de un par de carnosos muslos entreabiertos que, como si fuesen dos pesados cortinados, se abren ante nuestra mirada, para darle a la genitalidad de la mujer un protagonismo singular e indudablemente más que merecido.

Mas, debe aquí ser aclarado, que bastante lejos se encuentra la obra de Néstor Rubé de las abruptas provocaciones de su predecesor francés, a quien la sociedad parisina una y otra vez no dudaba en excluir de los salones oficiales. Muy diferente, por otra parte, ha sido el efecto producido por la obra plástica de Rubé al ser exhibida a escasos metros de las playas cariocas de Botafogo, donde fue—y aún es—recibida con gran entusiasmo y emoción por parte del público.

Aplicando el necesario rigor que la presente cuestión demanda, el acrílico al que Rubé eventualmente se refirió como "El origen del mundo" sí posee sus referentes visuales en la cultura europea, aunque no necesariamente en el mencionado cuadro decimonónico francés, sino en la heterogénea tradición e innovación itálicas, tanto de la Antigüedad como del Renacimiento. Es de estas últimas de donde proviene la pose de su paganísima Venus representada en plena dolce far niente.[7] Recostada, ella se entrega a un abandono suculento. Indiscutiblemente sensual es su pose que involucra un brazo derecho ya elevado, con el codo doblado y estratégicamente ubicado bajo la cabeza de la diosa del Amor. Debemos recordar que, en la cultura occidental, dicho brazo es apreciadísimo, dado que, entre otras cosas, eleva considerablemente el seno de la diosa y suele así poner a quien la contempla en el papel del fauno que se babea ante el llamado del instinto, cual perrito de Pavlov al sonar la campanilla. Significativamente, la pose en cuestión figura en admirables mármoles clásicos y adquiere un particular encanto en la Venus durmiente pintada por Giorgione en 1505-10 (afortunadamente preservada hasta el día de hoy en la Gemäldegalerie de Dresde).

Giorgione, Venere dormiente, 1505-10

Como si esto no fuera suficiente, todas estas estimulantes características, pero involucrando además los ojos de la protagonista ahora bien abiertos, reaparecen en el Desnudo recostado con almohadón blanco que el vanguardista italo-sefardí Amedeo Modigliani pintó en Montmartre en 1917. Son estos los referentes últimos del cuadro considerado por Rubé.

Modigliani, Nu allongé au cousin blanc, 1917

Respecto a las demás obras de Rubé, los referentes son demasiado numerosos para ser indicados todos aquí. Baste con decir que las poses de sus desnudos son reminiscentes de aquellas desarrolladas por pintores tales como Francisco de Goya y Lucientes, Paul Gauguin y Egon Schiele, entre otros. Con todo, en términos de expresividad y carácter, la obra de Néstor Rubé tiene no poco que ver con la alegría de vivir propia de Matisse y no menos con la refinada sensibilidad de Modigliani.

Néstor Rubé, quien es actualmente padre y abuelo, comenzó su quehacer plástico a una edad bastante avanzada. La madurez que caracteriza su obra es aquella de un hombre con experiencia en la vida. Trabajando sin boceto previo ninguno, Rubé conjuga en su obra el cálculo y el riesgo, atrapando la realidad e impregnándola con una cierta dosis de imaginación. Es por ello que sus desnudos son simultáneamente corpóreos y desmaterializados.

Rubé, Desnudo, 2015

La retina y la mano de Rubé juegan y transforman de un modo consonante aquello que el artista percibe en sus modelos. "Pero lo nuestro es pasar" sostiene un conocido verso de Antonio Machado,[8] casi con toda seguridad inspirado por el severísimo Libro del Eclesiastés, con sus alusiones a la fugacidad de la vida y el carácter transitorio de toda labor humana en este mundo. "Pasar haciendo camino, camino sobre la mar."[9] Aquí al menos en parte disentimos. Porque Rubé sí pasa haciendo camino, aunque no sobre la mar, sino junto a ella. Machado le dice al caminante que "no hay camino, sino estelas en la mar."[10] Y, con todo, estelas también se pueden percibir a medida que Néstor Rubé ejecuta su magia pictórica. "Caminante no hay camino", proclama Machado. Pero esto último se vuelve cuestionable en el caso de Rubé, cuya determinación y empeño en embarcarse a descubrir, del otro lado del océano, un territorio—llámesele—virgen, no pueden sino traer a colación la muy augusta figura de Colón habiendo ya parado el huevo ante Isabel la Católica y estando el genovés ya bien muñido de todos los medios necesarios para abrir entonces aquellas valiosísimas rutas de navegación que hasta el día de hoy siguen conectando no pocos destinos interatlánticos y otros tantos interculturales.

"Vanidad de vanidades. Todo es vanidad y aflicción del espíritu."[11] Bueno, todo no. Casi todo, ya que como conjunto, las pinturas de Néstor Rubé funcionan como una verdadera Oda a la alegría. [12] Recordar conviene aquí que en el mismo Libro de Eclesiastés también se expresa que hay un tiempo para todo en la vida, un tiempo para afligirse y otro para danzar.[13]

Rubé, Desnudo, 2015

Cierto es el que algún día ninguno de nosotros estará en este mundo. Es por ello que inteligente es la actitud de Rubé, quien en su trabajo recurre a la fórmula del Carpe diem.[14] ¿O acaso no son sus desnudos auténticos registros del aquí y el ahora?

A esta altura del campeonato, bien sabe Rubé que demasiado corta es la vida para pasársela uno lamentando cualquier tipo de leche derramada. Y es precisamente aquí donde importantes se vuelven las muy humanas configuraciones de Néstor Rubé, rebosantes todas ellas de espontaneidad y frescura, exultantes asimismo del ímpetu propio de su autor, persona que ama la vida. Tales configuraciones posiblemente inspirarán a varias generaciones venideras, tal vez como lo hacen hoy, particularmente en el caso de todos aquellos que solemos soñar cuando estamos despiertos.


Mariano Akerman
Río de Janeiro, 9 de julio de 2015


Notas y referencias
1. Cambalache, tango, 1934
2. Volver, 1935. En dicho tango se expresa: "Sentir... / que es un soplo la vida, / que veinte años no es nada..."
3. El maestro de la arquitectura moderna esta idea en lengua inglesa, "Less is more."
4. La imaginería de Rubé es heredera del Hombre vitruviano de Leonardo da Vinci.
5. Obra escrita en francés y publicada como L’être et le néant.
6. Néstor Rubé a Mariano Akerman, Galería Berni, Río de Janeiro, 8 de julio de 2015.
7. Expresión italiana que se refiere a la indolencia como el "dulce placer de no hacer nada."
8. Machado, Proverbios y cantares, 1909, poema XXIX. Para un análisis, véase Emilio J. García Wiedemann, "‘Proverbios y cantares’ de Antonio Machado no incluidos en Poesías completas", AIH, Actas XII, 1995, pp. 165-179.
9-10. Ídem.
11. Eclesiastés 1:2, 14.
12. Poema de Friedrich Schiller, compuesto en 1785.
13. Eclesiastés 3:4
14. Horacio, Odas, I, 11: "Carpe diem, quam minimum credula postero" — Aprovecha el día, no creas en el mañana. Se trata de una expresión latina, cuya traducción literal es “toma el día” y que se refiere al aprovechar cada día como si fuese el último.

Un tiempo para todo

Mariano Akerman

Nacido en Buenos Aires en 1963, Mariano Akerman es un pintor, arquitecto e historiador argentino. Como investigador y disertante desarrolla actividades educativas que promueven la libre expresión y la participación comunitaria considerando la idiosincrasia y el contexto cultural de cada individuo.
En 1982 inicia seus estudios en arquitectura el la Universida de Belgrano, donde recibe un diploma en virtud de un trabajo premiado, La natureza del espacio y los límites de la arquitetura (1987). Becado por el British Council, Akerman escribe Lo Grotesco en las pinturas de Francis Bacon en 1999, retomando la imaginería del célebre artista londinense en un artículo publicado en 2012.
A partir de 1981 Akerman da conferencias en instituiciones tales como el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, el Museu Nacional de Filipinas en Manila, el Colegio Escandinavo Hooptes Stajärna en Taytay, la Academia Nacional de Artes en Lahore, la Universidad Quaid-i-Azam en Islamabad y el Centro de Estudios Bíblicos de Río de Janeiro.
Especializado em Comunicación Visual, Akerman desarrolla también series de conferencias, concursos, talleres y exposiciones educativas en varios países, donde colabora con las embajadas de Bélgica, Suecia, Francia, Alemania y Suiza, incluyendo esto tambiém aquellas de su país natal. Empreendedor independente multidisciplinar, Akerman ha recibido doce premios internacionales en materia de arte y educación. Durante más de tres décadas de actividad, y habiendo frecuentado instituiciones culturales y educativas, Mariano Akerman presentó numerosas disertaciones tanto en Argentina como en Filipinas, Pakistán y Brasil.

Néstor Rubé Online
• Dibujos en Artelista
• Diario Las Américas
• UOL Entretenimento