23.8.12

Estilo auricular

Sumamente caprichoso estilo de ornamentación basado en formas orgánicas que recuerdan partes varias del cuerpo humano en el que se funden extravagancias y otras excentricidades. Se lo llama auricular porque el estilo tiende a recordar la modulación fuerte e indefinible de una oreja. Surgido a principios del siglo XVII, tuvo particular éxito en las artes decorativas de los Países Bajos y Alemania.

Adam van Vianen, Jarra en estilo auricular, 1614
Rijksmuseum, Amsterdam

8.5.12

Pasión por la esperanza a través de la imaginación


Artículo en colaboración con Hanniya Abid (Universidad COMSATS, Islamabad),* publicado en Blue Chip Magazine, 8:89, marzo-abril 2012, pp. 18-22 (versión original).

Mariano Akerman nace en Buenos Aires en 1963. Hoy arquitecto e historiador del arte, él es también un artista multidisciplinario. En entrevista exclusiva Mariano ha compartido algunos de sus pensamientos acerca del arte y la vida. Según él, el artista plástico no debe ser actualmente esclavo ninguno de la realidad. En efecto, "hoy hace falta crear una realidad mejor y no sólo imitar la ya existente." Mariano nos recuerda las palabras de Antoine de Saint-Exupéry, "sólo con el corazón se ve bien; lo esencial es invisible." Convencido está de que la apariencia ninguna esencia es, sino un mero accesorio." Y es por eso que desde hace ya considerable tiempo eligió no ser un pintor de apariencias.

El pintor con algunas de sus obras de pequeño formato, Islamabad, 2010

Durante los años '60 y '70 Mariano asistió a las clases de arte que daba su tía Moroca en el Taller Piruetas. Como pintora, Moroca favorecía toda actitud de corte surreal. Enseñaba ella el arte del automatismo y estimulaba la libre asociación de ideas en sus estudiantes. Maestra generosa, Moroca solía compartir sus témperas y pinceles con su sobrino. Moroca poseía una biblioteca bastante completa en materia de arte y a menudo prestaba a Mariano ciertos textos; entre ellos una biografía ilustrada de Miguel Ángel, la Pintura Moderna de Julio Payró y los Fundamentos del diseño (Design Fundamentals) formulados por RW Scott. Por sobre todas las cosas, y en lo concerniente al arte, Moroca promovía la exploración. A pedido Mariano llegó incluso a enseñar Historia del arte y Psicología de la Gestalt en su taller bonaerense. Significativamente, fue también Moroca quien introdujo la obra temprana de Mariano en Casa de la Pintura Argentina (1984) y subsecuentemente propició su primera exposición individual en la Galería RG (Rodríguez-Gervasi) en el Arte (1986).

La pasión de Mariano por los libros tiene lugar ya desde su temprana infancia. Inicialmente se interesó por las ilustraciones de El tesoro de la juventud (enciclopedia de 20 volúmenes, c.1947), especialmente por "algunos personajes insólitos" cuyo origen último puede hallarse en la obra de Lewis Carroll (Alicia en el País de las Maravillas, 1865).

Otra influencia importante fue el Diccionario de Arte Moderno. Una de las imágenes ilustrando ese volumen es la misteriosa Intriga pintada por James Ensor en 1890. Sus extrañas figuras portan máscaras de rasgos exagerados en las que prevalece la deformidad e insinúan su bastante incierta intencionalidad. En 1967 Mariano garabateó tal ilustración, cosa que testimonia el hecho de que no le era indiferente y también su deseo de neutralizar aquello que años después habría de entender como una "mascarada grotesca." En efecto, Lo Grotesco puede ser expresado en términos que involucran el exceso o bien la falta o carencia de determinados atributos. Aún siendo niño, Mariano Akerman percibió ya la "incompleta" condición de la simplificada Joven Inglesa que Henri Matisse pintara en 1947 y no dudó en agregarle todo aquello que supuso ella hubiese deseado tener: ojos, naríz, boca, incluso cejas.

Dado su desempeño en una Justa del Saber organizada por Reader’s Digest, Mariano obtuvo, a los once años de edad, un libro dedicado a lo extraño, lo increíble y lo extraordinario. Dicho volumen tuvo un efecto importante sobre el joven lector y, en cierto sentido, lo transportó del campo de la realidad al dominio de lo imaginario, que es donde él a menudo llegaría a sentirse más a gusto. Otro estímulo para la sensibilidad creativa del joven Mariano fue un volumen sobre la temprana pintura neerlandesa donde pueden observarse las sorprendentes configuraciones de El Bosco.

Cuando adolescente, Mariano solía desayunar con su abuelo en una cafetería cerca de su hogar una vez por semana. Luego del desayuno, el anciano le regalaba un fascículo de la Enciclopedia Salvat del Estudiante (1981-82), estando el mismo provisto de abundantes ilustraciones. Fue en esa colección que, a la temprana edad de 14 años, Mariano descubrió las desfiguradas figuras de Francis Bacon.

En medio de una Argentina caracterizada por el autoritarismo y la represión, Mariano tuvo a la señora Iglesias como profesora de plástica en el Colegio Nacional DF Sarmiento. De un modo inusual para esa época, ella instruía a los alumnos estimulándolos a expresarse libremente. En cierta oportunidad dicha profesora trajo varias reproducciones de pinturas famosas y le pidió a cada estudiante que eligiese aquella que más le interesaba para luego interpretarla a su manera. Para un adolescente la expresión "a su manera" bien podría haber sido un problema, mas no fue ese el caso. Mariano eligió Psyque recibiendo el Primer Beso de Eros (François Gérard, 1798), ya que en dicha imagen percibió "alguna especie de ternura." Luego pintó a la pareja de seres mitológicos en términos deliberadamente surreales. Conocida como Nada de Bésame Mucho, la pintura resultante fue seleccionada y exhibida en el Ministerio de Educación, donde, contrariamente a toda predicción posible, llegó a ser muy apreciada.

Nada de bésame mucho, témpera, 1979

El ejercicio de la profesora Iglesias le brindó a Mariano una excelente oportunidad para activar su imaginación. Mientras buscaba "su manera" de reelaborar la imagen de Gérard, Mariano adquirió un libro en inglés titulado Surrealism. Aunque su comprensión de la lengua inglesa era entonces limitada, ello no disminuyó en lo absoluto su atracción por la obra de Salvador Dalí, René Magritte, Joan Miró, Max Ernst e Yves Tanguy.
En 1979, Mariano participó en un concurso de arte para jóvenes que se llevó a cabo en el Cantegril Club de Punta del Este, Uruguay, donde obtuvo un premio en dibujo. Una visita a casa de mi tía Moroca fue el título de su colorida propuesta, afín al Surrealismo. Su siguiente trabajo, Velada rococó en casa de una princesa medieval, involucra una imagen en la que se funden la abstracción y lo imaginario. Es entonces que el crítico de arte Bernardo Graiver escribía que Mariano Akerman "se distancia de las preocupaciones banales para sugerir experiencias inesperadas: aquellas propias del creador empírico-reflexivo."

Cristalino, Primer movimiento, témpera, 1985-86

Transformaciones de fibras y cuentos dulces fue la primera exposición individual de Mariano y tuvo lugar en la Galería RG en el Arte en marzo de 1986. La muestra incluía una gran témpera titulada Cristalino y otros imaginativos trabajos, parte de ellos concebidos como técnica mixta. Por aquel entonces Mariano estudiaba arquitectura en la Universidad de Belgrano, en Buenos Aires, donde completó sus estudios con un proyecto de graduación en 1987. Habiendo detectado en su obra plástica "un mensaje vital," la crítica de arte Monique Sasegur escribió: "una primera aproximación nos habla de un dibujante que maneja la línea, el color y el espacio seguro de lo que quiere. Si buscamos una estructura formal en la obra, salta a la vista. Pero, también, hallamos una fundamentación temática muy fuerte. La obra de este artista posee un interesante mensaje vital. Aquí lo simple no descarta lo profundo. Las ondulantes formas de lo natural. Lo vegetal, lo animal y la excelencia siempre de la figura humana. Ésta a veces mimetizada en otra forma viviente [confirman como conjunto tal idea]. La formación teórica de Akerman descansa en su carrera de arquitecto, todo lo demás en él es vivencia que volcará en su obra. La técnica lo lleva a una actitud preciosista y a veces irreverente: témperas, marcadores, lápiz color, collage, tintas y todo el instrumental arquitectónico, logran el efecto buscado. Uno de los objetivos es la activa participación del espectador que sólo puede entrar en el juego plástico si suma su cuota de imaginación y fantasía. Así, los ojos picarescos de los personajes se unen a la divertida mirada del testigo, que debe decidir cuál es la figura o dónde está el fondo. ¿Pero se mezclan? ¿Muy oriental o muy decorativo? Se diría ornamental, plástico y poderosamente esperanzado" (La actualidad en el arte)

Mariano presentó una segunda muestra individual en la Facultad de Estudios para Graduados de la Universidad de Belgrano (1988). Titulada De cáscara y contenido, dicha exposición sugería la artística noción que introduce a la forma y al contenido de la obra de arte como inextricables. Semejante idea es consistente con la visión de Oscar Wilde, quien alguna vez definió al arte como simultaneidad de superficie y símbolo. En el catálogo de la exposición Akerman citó las palabras de André Maurois: "El arte brinda al espíritu aquello que el mundo le niega—la unión de la contemplación y la paz." Según René Olivieri, de las acuarelas y dibujos exhibidos por Mariano Akerman emanaba cierta "voluptuosidad inusual" y también "enigmas oníricos," a los que el poeta describía entonces como "la belleza misma, desplegada en una floración exuberante."

La tercera exposición individual de Mariano, Diez pinceles por aguas profundas, fue inaugurada en la Fundación Cultural Bank of Boston en 1989. Tres a la ventana, una de las pinturas exhibidas, fue entendida por la crítica de arte Teresita Pociello como un cuadro cuya estructura móvil evocaba a la obra de Miró. Pero, según ella, el impacto de la pintura de Mariano es “americanista,” ya que epitomiza las cualidades imaginarias "típicas del continente americano" (Óleo y Mármol).

Tres a la ventana, acuarela, témpera y tinta china, 1989

Ya se esté de acuerdo o no con las ideas de Pociello, lo cierto es que Tres a la ventana tiene su inspiración en fuentes transatlánticas tales como los imaginarios personajes de Carroll y los Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión, pintados por Bacon en 1944 y descubiertos por Akerman a través de un catálogo de la Tate Gallery de Londres de principios de los años '80. Sin embargo, el tríptico de Bacon transmite angustia, mientras que el cuadro de Akerman comunica esperanza. Es por ello que, como nota Zulema Vaini, el mensaje este último encuentra expresión en imágenes selectas que proveen a la obra de arte con "el misterioso encanto de las cosas raramente percibidas por el ojo humano."

La muestra Diez pinceles por aguas profundas fue inaugurada con palabras de la escritora Bettina Sandrini: "hay en la obra de Mariano una línea precisa y delicada. Cuando pinta formas y detalles, su riqueza interior es expresada en términos de alegría. Así, sus personajes sueñan y crecen bajo cielos especialmente creados por él con el propósito de comunicar el mundo mejor al que aspira. A través de su paciente destilar, Mariano innova en las artes plásticas."

Tal innovación tiene que ver con el uso que Mariano hace de lo imaginario. Como observa Giordano Bruno, "la imagen ficticia conlleva una verdad que le es propia." Esto es válido para las pinturas de Mariano donde un cierto simbolismo se halla por cierto presente. No obstante, el artista no siempre está dispuesto a discutir tal aspecto de su obra. “A veces,” comenta, “hablar del trabajo propio es tan necesario como la danza lo es a la arquitectura.” Incluso un árbol florido posee algunas de sus partes sepultadas bajo la corteza terrestre.

Escribiendo desde el Museo Nacional de Bellas Artes, en Argentina, Jorgelina Orfila indica que "con una mano segura y un dibujo ajustado, una imaginación prolífica se cristaliza en el trabajo de Mariano Akerman. Sus conocimientos técnicos se entremezclan con una profunda introspección y un deseo casi obsesivo de trascender lo formal y expresar profundos significados."

Microcosmos, collage, 1991, 2005

Mariano Akerman ha exhibido su obra plástica en muestras individuales o colectivas en Argentina, España, Japón, Filipinas, Suecia y Pakistán. Ha recibido doce premios internacionales. Actualmente se expresa a través de técnicas a base de agua tales como la témpera y las acuarelas. Le gusta dibujar y hacer collages, así como también bocetos y diseños. En términos técnicos, Mariano usa los pinceles a su manera y según su propio estilo, dejando a veces de lado tanto lo tradicional como lo convencional, cosa que hace de modo consciente. Si bien valora la creatividad y la inventiva, el pintor también reconoce que el pasado estará siempre presente en su imaginería. Sus palabras no son una sorpresa, dado que el pintor es también historiador del arte.

El pintor como conferencista e historiador del arte
Embajada de Suiza, Islamabad, 2011

El estilo pictórico de Mariano es intrincado, preciso, fuertemente simbólico y totalmente personal. En principio, dados sus colores y texturas, los cuadros de Mariano sugieren un mundo de fantasía, aunque una inspección cuidadosa de los mismos tiende a revelar in interés vital respecto a experiencias y eventos indudablemente reales. Algunos críticos consideran que el desarrollo de Mariano como pintor no es un asunto de cambio estilístico dramático ninguno, sino uno de refinamiento técnico. A otros los impresiona su sensibilidad respecto a los frutos de una gran variedad de culturas, lo cual podría ser un reflejo de su formación intelectual y experiencia vivida. Así, la sensibilidad se combina con una habilidad para comprender las sociedades y tradiciones culturales más diversas.

Cómo te quiero, acuarela y técnica mixta, 1989

Residente por más de veinte años en Asia, Mariano se ve a sí mismo como un puente entre culturas. Viviendo actualmente en Pakistán, se interesa por el arte y la educación. Con entusiasmo se refiere a los patrones que rigen el diseño textil y la decoración del actual medio de transporte de la región, considerando que los camiones locales son "poderosos elefantes modernos."
Refiriéndose a su primera visita a Lok Virsa, que fue su introducción a la cultura pakistaní, Mariano recuerda que "fue una gran experiencia y me impresionó particularmente por su carácter multi-tradicional."
Hablando de su experiencia en Pakistán, Mariano dice en ningún momento se sintió extranjero en el país. Le gusta su naturaleza, que le transmite paz. Aprecia la variedad de las estaciones. Y al considerar la situación política en Pakistán, Mariano rechaza que se rotule al país en términos de "problemático," dado que "cosas buenas y malas ocurren por todas partes en estos días." Mariano la vida. Defiende la idea que un diálogo entre la tradición y la modernización es necesario y a su vez posible. Como artista, descalifica la noción de un mundo sin diversidad. "Imagínese si el mundo fuese completamente uniforme. ¿Le gustaría vivir en un lugar todo el mundo se ve igual, hace exactamente las mismas cosas, habla solamente una lengua y siempre piensa en las mismas cosas? Incluso los más ardientes defensores del desarrollo tecnológico reconocerían que semejante mundo no sería sino triste y aburrido. Se trataría de una catástrofe, del triunfo de la mediocridad. Hay valor en la diversidad cultural. Dios creó un mundo basado en el principio de la diversidad, y no la uniformidad. Contemple usted simplemente la naturaleza por algún tiempo. Hay variedad por todas partes."

_____

* La profesora Hanniya Abid dirige y coordina el Departamento de Administración Empresarial y Comunicaciones de la Universidad COMSATS en Islamabad, Pakistán.


17.3.12

Linneo en Filipinas


Beth Day Romulo, "Gane un viaje a Suecia," Panorama Filipino, Revista del Manila Bulletin, 18 de febrero de 2007, pp. 16-17


« En ocasión del tricentenario del nacimiento del gran biólogo y botanista Carlos Linneo, la embajadora de Suecia, Annika Markovic, dio una recepción en su residencia en Filipinas. La misma incluyó la presentación de la serie de conferencias que tendrán lugar en universidades y otras instituciones educativas, en Manila entre el 11 y el 22 de febrero de 2007. Tales conferencias tienen como propósito refrescar el conocimiento de los jóvenes filipinos acerca del sorprendente trabajo del ciudadano más famoso de Suecia. Las conferencias serán dadas por el educador y curador argentino Mariano Akerman, en las escuelas Británica, Europea e Internacional, y en las universidades de Santo Tomás, Ateneo de Manila, De La Salle, Instituto Aero-tecnológico del Lejano Oriente, el Liceo y la Escuela Internacional Gandhi.

El siglo XVIII, cuando Linneo nació y trabajó (1707-1778), fue un tiempo de descubrimientos. [...] Linneo estaba decidido a clasificar y ordenar racionalmente el universo y sus componentes. [...] Sus categorías sobreviven hasta hoy y siguen formando parte del programa educativo de las escuelas modernas.

Los educadores locales saben que los jóvenes filipinos son algo flojos en ciencias naturales. Esta serie de conferencias tiene como fin el despertarles interés en ellas. »

15.3.12

Mariano Akerman: puente entre culturas

por Sara Mahmood

ISLAMABAD, Pakistán. Ni bien la última diapositiva desapareció de la pantalla, la considerable multitud reunida el 12 de mayo de 2010 en el auditorio de la Embajada de Alemania rompió en animados aplausos. De haber consultado sus relojes, los miembros de la audiencia hubiesen descubierto, para su sorpresa, que se los había hechizado por nada más ni nada menos que dos horas y quince minutos. Indudablemente no muchos profesores que enseñan arte alemán habrían inspirado semejante atención.


Algo bueno de la vida en estos días es la notable presencia de Mariano Akerman en Islamabad. Combinando un conocimiento formidable de los cánones del arte con sus excepcionales habilidades como un maestro, el pintor e historiador del arte argentino Mariano Akerman tiene una inusual capacidad para cautivar a su audiencia. Pertenece a la rara especie rara de los eruditos que informan y simultáneamente deleitan. Su presentación del arte alemán a un público no especializado y el mantenerlo hechizado por más de dos horas es una prueba de ello. La otra es la respuesta entusiasta del público estudiantil paquistaní a la oportunidad que Mariano le ofrece, estimulándolo a sondear su propio patrimonio artístico y la relación del mismo con el arte de otras civilizaciones. Construye así puentes entre culturas: entre Oriente y Occidente, entre la erudición y la cotidianeidad, cosa que él describe como su vocación.

Mariano Akerman, "Arte alemán," conferencia
Embajada de Alemania, Islamabad, 12.5.2010

Desde principios de este año en Islamabad, Mariano desarrolló una serie de treinta y cinco conferencias para un grupo de entusiastas adultos deseosos de profundizar su comprensión de las artes visuales. Comenzando desde el principio con el cómo apreciar una obra de arte, la serie paulatinamente los trasladó a rastrear temas inesperados y nuevas relaciones entre el canon del arte y la vida. El siguiente es el testimonio de una participante acerca del modo de enseñanza de Mariano y la amplitud de su perspectiva:

"Algunos de los temas son áreas peculiares de la apreciación del arte que yo nunca había considerado, mas todos son estimulantes. Particularmente interesante es participar en los debates que él lleva a cabo durante sus conferencias ya que ellos nada tienen que ver con el hoy ya obsoleto método de la pregunta seca y la respuesta mecánicamente formuladas."

Encuentro dedicado a la Gestalt
Organizado por Akerman y colegas (con premios)
Embajada de Alemania en Islababad, 22.11.2011

El comunicar sus ideas sobre el arte a personas interesadas en aprender acerca del mismo es una tarea que Mariano describe como el cumplimiento de su necesidad de equilibrar el vista independiente del erudito con el humano impulso de compartir. Y no es que dar sea asunto que vaya en un sólo sentido. Además de enriquecer a la audiencia, el disertante se involucra en un diálogo consigo mismo, el que a su vez le ayuda a profundizar su propia comprensión de los temas tratados.

Akerman, Microcosmos, collage, 1991, 2005

Creciendo como niño en Buenos Aires, Argentina, Mariano recuerda su perplejidad y desconcierto al descubrir los personajes de Lewis Carrol (provenientes de Alicia País de las Maravillas y A través del espejo) en una enciclopedia conocida como "El tesoro de la juventud" (c.1947). Tal experiencia fue su primera exposición consciente a la influencia de lo Imaginario. Durante su adolescencia, Mariano pasó tiempo considerable con su tía Moroca, quien se dedicaba a la pintura. Fue ella quien le enseñó a pintar y lo introdujo a un importante intercambio de ideas tales como el potencial del automatismo y el desarrollo de la libre asociación. Mariano se benefició también de la extensa biblioteca de arte de Moroca y conoció a través de ella el fantástico mundo de El Bosco y la obra de los surrealistas René Magritte, Salvador Dalí e Yves Tanguy.

Akerman, Tres a la ventana, acuarela y técnica mixta, 1988

Al estudiar en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Belgrano en Buenos Aires, el joven estudiante eligió como área de especialización optativa comunicación visual. Su proyecto de graduación se centró en la relación entre los límites y el espacio. El trabajo de Mariano fue llevado a cabo tomando como fuente de inspiración de una observación profunda de Lao-Tsé según la cual con la arcilla se da forma a una vasija, mas es el "vacío" que se encuentra en su interior lo que constituye su esencia. Varios críticos han señalado la fuerte conexión entre la formación en arquitectura de Mariano y el estilo que paralelamente desarrolló como pintor durante los años '80, cuando se convirtió en expositor aclamado en las galerías de arte de Buenos Aires. La crítica Monique Sasegur señaló que "su formación teórica se basa en su carrera arquitectónica," mientras que el resto es "la experiencia vivida".

Monique Sasegur, "Mariano Akerman: Un Mensaje Vital"
La actualidad en el arte, Buenos Aires, mayo-junio de 1986

Otro crítico, Bernardo Graiver, refiriéndose a la primera exposición individual de Mariano, escribió: "Se distancia de preocupaciones banales para sugerir y evocar experiencias no desordenadas sino inesperadas, las que caracterizan al creador empírico-meditativo. Selvas submarinas de tallos arqueados y hojas tersas, seres que cantan con creciente audacia y cálidos organismos blandos despiertan [en su obra] en una amplia armonía de composición ".

Akerman, Cristalino, primer movimiento, témpera, 1986

El trabajo de este período incluye diseños orgánicos que contienen y suavizan lo "inesperado" de la temática tratada: Alicia en un grupo de figuras retratadas ante una ventana, el recurrente motivo del huevo y majestuosas aves que emergen de formas naturales. Estas imágenes parecen presagiar el cambio que estaba a punto de suceder. En 1991, Mariano deja la Argentina y desde entonces ha sólo de volver por corto tiempo. El retrato de la "dama auténtica" que pinta poco antes de su partida presenta una mujer de la sociedad, exuberantemente arreglada, con sombrero estrafalario y llamativo pañuelo. Sin embargo, lo curioso de la figura es que su torso, orgánicamente concebido mas carente de brazos, se detiene a la altura de la cadera para casi adoptar el aspecto de un huevo. Tal condición sugiere las ideas de incubar e incluso dar a luz, traer a la vida. Podría esto aludir a la aventura en la que el artista estaba a punto de embarcarse: la aventura de la vida fuera del nido.

Akerman, Your Honour, acuarela y técnica mixta, 1989

Un crítico de ese período denunció un posible aspecto decorativo en la obra de Mariano. Sin embargo, Sasegur asignó a este aspecto su propia importancia, que expresó en una frase memorable: "ornamental, expresivo y poderosamente esperanzado." En este sentido, Mariano fue influenciado por el pensamiento del arquitecto Robert Venturi, cuya Complejidad y contradicción en la arquitectura leyó mediados de los '80. Al defender el enfoque ecléctico de la arquitectura posmoderna, Venturi trató de mitigar el exclusivista "esto o lo otro", enfoque propio de los arquitectos modernistas tales como Mies van der Rohe. "Menos es más" era el mantra del movimiento modernista que establecía que la forma debía seguir la función. "Menos es un aburrimiento" fue la animada réplica de Venturi al enfoque modernista.

Venturi también hizo hincapié en el hecho de que los diseñadores contemporáneos eran herederos de una gran diversidad de influencias artísticas. Y si bien Mariano critica gran parte de la arquitectura posmodernista por conectarse con el pasado superficialmente, él admira a su vez el trabajo de la arquitecto Louis I. Kahn, cuyos diseños posmodernos se nutren de muy diversas y muy potentes fuentes históricas. Hurva, que es uno de los proyectos más audaces y celebrados de Kahn, propone un edificio donde ciertas ruinas antiguas envuelven un santuario moderno.

Louis I. Kahn, Proyecto Hurva, corte perspectivado, 1968; digitalizado por Kent Larson, MIT

Luego de su salida de Argentina, la obra plástica de Mariano incluye tanto la figuración como la abstracción. Explora entonces una gran variedad de técnicas y entre ellas especialmente la acuarela y el collage. Desarrollado en Asia durante años, su trabajo pone en evidencia su dominio de la línea, el color y la textura, siendo estos elementos presentados agrupadamente en paneles relativamente pequeños, sorprendentemente íntimos, y enmarcados con gran sentido estético.

Akerman, Constelaciones interiores, acuarela, 2005
Collección R. Foley, Estados Unidos

También después de salir de Argentina, Mariano amplió su tarea, desempeñándose como investigador, conferencista y profesor de historia del arte y de la arquitectura. En Pakistán, su mensaje fue dirigido a alumnos pertenecientes a una amplia gama de instituciones educativas. Entre ellas se encuentran la Fatima Jinnah University, el Instituto Nacional de Arte, la Universidad de Quaid-i-Azam, la Universidad Nacional de Lenguas Modernas y el Instituto Tecnológico COMSATS. Mariano se muestra entusiasmado respecto a su interacción con las diferentes audiencias de jóvenes paquistaníes. "Se interesan mucho por su pasado pre-británico y acerca de cómo pueden llegar a conectarse con él. Hay frescura en su forma de participar. El exponerse a nueva información e ideas les ayuda a formular preguntas adecuadas que los conducen a descubrir la riqueza de su pasado."

Akerman, Jardín indokushi, collage, 2011
Colección Hosai Rahimi, Islamabad

La combinación de su entusiasmo embriagador y amplitud de intereses como investigador independiente es lo que cautiva a los oyentes de Mariano. Como lo ha señalado la estudiante ya citada, él esclarece aquello que es peculiar en áreas poco familiares del canon del arte. Una de tales áreas es la del "arte de lo grotesco." Definido por Mariano como una categoría estética que incluye configuraciones de doble filo, lo Grotesco tiene una larga tradición en las artes visuales, cuyos orígenes bien pueden hallarse en los fantásticos híbridos de las "cuevas" o grutas artificiales conectadas con la Domus Aurea de Nerón en Roma. Este estilo de ornamentación fue estudiado y copiado por artistas del Renacimiento tales como Ghirlandaio y Miguel Ángel. En el siglo XVI, Rafael Sanzio y Giovanni da Udine hicieron de él un verdadero sistema expresivo en los frescos de las galerías del Palacio del Vaticano. En tal contexto, la naturaleza de lo grotesco se muestra ornamental, pero luego habría de transformarse en algo prevalentemente deformado y visceral, en algo bastante horrible.

Akerman, Grutescas renacentistas, lámina educativa

Explorando paso a paso el desarrollo de lo grotesco en las artes visuales, la investigación de Mariano de aquello que Freud llamaba "lo siniestro" [o llámesele si quiere lo familiar vuelto inquietante], establece nuevas conexiones y al mismo tiempo pone de manifiesto la sutil metamorfosis del arte grotesco a lo largo de los siglos. "Lo Grotesco," como él explica, "no es ni atractivo ni repulsivo, sino ambos a la vez. Se trata de un reino problemático, uno de doble filo en el que cada aspecto va siempre va de la mano de su incompatible generando así una paradoja visual." Medular en el estudio que Mariano dedica a lo Grotesco es la obra de Francis Bacon, uno de los pintores más importantes del siglo pasado, cuyas imágenes terriblemente brutales contienen también el extraordinario poder de liberar al individuo.

Francis Bacon, Figura yacente en un espejo, óleo, 1971
Museo de Bellas Artes, Bilbao

Como artista, Mariano continúa pintando y exponiendo su arte. Ha recibido más de doce premios tanto en arte como en educación. Sus obras se exhiben en el Centro Pompidou de París. Con todo, le gusta recordarnos que sus prioridades incluyen siempre su trabajo como investigador y educador. Cualquier persona que navegue por su sitio en http://akermariano.blogspot.com se sorprenderá dada la originalidad de sus ideas y la variedad de enlaces que ofrece a notas ricamente ilustradas con imágenes provenientes de su archivo siempre en expansión. Cada uno de estos elementos tiende por otra parte a completar el rompecabezas que su tarea conlleva: surgen entonces nuevas conexiones ligando las culturas más diversas. Visitar tal sitio es siempre algo muy recomendable.

Akerman, Idilio, lápiz hidrosoluble y collage, 2011

Fuente de la presente nota. Sara Mahmood, Mariano Akerman: Bridging Cultures, Blue Chip Magazine, No. 87, Vol. 8, Islamabad, enero-febrero de 2012, pp. 20-24.






11.2.12

Qué tiempo tan feliz

Konstantin Podrevskii y Boris Fomin: "Dorogoi dlinnoyu" (Дорогой длинною, Por el largo camino), antes de 1925



Famosa ya en sus versiones inglesa y francesa, Qué tiempo tan feliz fue originalmente cantada en castellano por Mary Hopkin a fines de los años '60. Corroboramos ello gracias al siguiente extracto tomado de un documental francés otrora dedicado a los Beatles y su ejemplar soporte de la cultura en el mundo.


Mary Hopkin

Viene a mis recuerdos la taberna
Y los compañeros del ayer
Charlábamos confiados y optimistas
De grandes cosas que íbamos a hacer

Qué tiempo tan feliz que nunca olvidaré
Y aquel cantar alegre del ayer
Con nuestra juventud y llenos de inquietud
Tuvimos fe y ansias de vencer
Lara lalala, lara lalala...

Pero encadenados a la vida
Pudimos conocer la realidad
A veces nos veíamos de nuevo
Volviendo con nostalgia a recordar

Qué tiempo tan feliz que nunca olvidaré
Y la canción alegre del ayer
Con nuestra juventud y llenos de inquietud
Tuvimos fe y deseos de vencer
Lara lalala, lara lalala...

Hoy pasé otra vez por la taberna
Nada parecía como ayer
Y un reflejo extraño en los cristales...
Mi cara no logré reconocer

Qué tiempo tan feliz que nunca olvidaré
Y la canción alegre del ayer
Con nuestra juventud y llenos de inquietud
Tuvimos fe y deseos de vencer
Lara lalala, lara lalala...

Mas alegres risas resonaron
Alguien me llamaba y eras tú
Nuestros corazones no olvidaron
Los sueños de la alegre juventud

Qué tiempo tan feliz que nunca olvidaré
Y la canción alegre del ayer
Con nuestra juventud y llenos de inquietud
Tuvimos fe y deseos de vencer
Lara lalala, lara lalala...


Gelu

...Le temps des fleurs

...Those Were the Days

23.1.12

Mariano Akerman


Artista plástico, arquitecto e historiador del arte nacido en Buenos Aires en 1963. Cursó sus estudios en la Facultad de Arquitectura y urbanismo de la Universidad de Belgrano, completando su carrera con un proyecto premiado (1987).
Desde 1991 en adelante, investiga la naturaleza y el significado de lo Grotesco en las pinturas de Francis Bacon, conjuntamente con el evocativo carácter de los proyectos arquitectónicos de Louis I. Kahn. En Asia, Akerman ha desarrollado numerosos ciclos de conferencias educativas, entre las que se destacan Arte belga (2005), Con el espíritu de Linneo (2007), Razones de ser (2008-10), Arte en el cuadro (2010-12), Configuración y significado, Arte alemán y Gestalt: Teoría y diseño en la Era de la Nueva Objetividad (2010-11).
Especializado en comunicación visual, Akerman es un educador con experiencia. Además de enseñar francés y español en la Alianza Francesa de Islamabad, da conferencias sobre arquitectura y arte moderno en instituciones tales como el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires y el Nacional Museo del Pueblo Filipino en Manila. Artista plástico también, Mariano Akerman exhibe sus pinturas y collages desde 1979. Se le han otorgado doce premios internacionales en arte y educación.

Conferencia sobre la Gestalt, Universidad COMSATS, Octubre de 2011

Painter, architect and art historian born in Buenos Aires in 1963. He studied at the School of Architecture and Urbanism of Universidad de Belgrano, completing his education with a prized graduation project (1987).
From 1991 onwards, he researches the nature and significance of the grotesque in Francis Bacon's paintings, and the evocative character of Louis I. Kahn's architectural projects. In Asia, Akerman has conceived and developed numerous cycles of educational lectures such as Belgian Art (2005), In the Spirit of Linnaeus (2007), Raisons d’être (2008-10), Art in the Picture (2010-12), Shape and Meaning, German Art and Gestalt: Theory and Design in the Age of New Objectivity (2010-11).
Specializing in visual communication, Akerman is an experienced educator. He teaches languages at Alliance Française d'Islamabad and gives conferences on modern art and architecture at renowned institutions among which the Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires and the National Museum of the Philippines in Manila. An artist himself, Mariano Akerman exhibits his paintings and collages since 1979. He has been awarded with twelve major international prizes. Akerman’s artwork is featured in the Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, in Paris, and the Statenkonstråd, the National Public Art Council of Sweden, in Stockholm.

Cf. CURRICULUM VITAE

22.1.12

Un muy breve discurso


A: Buenas tardes señoras y señores. Yo soy Salman Jokhio de la ciudad de Karachi, que está en la provincia de Sindh...

B: Y yo soy Sidra Haque de la ciudad de Lahore, que está en la provincia de Punjab, en Pakistán.
Nosotros somos oficiales públicos y trabajamos en el Ministerio de Comercio de la Nación, en Islamabad.
Estudiamos español cuatro días por semana con Mariano Akerman en la Alianza Francesa de Islamabad.

A. Nosotros creemos que ahora hablamos, leemos y escribimos bastante bien la lengua española. Además, nos gusta mucho cantar.

21.1.12

Imaginería visual cristiana

Algunas reflexiones acerca de la necesidad de venerar imágenes


Efigie del Sagrado Corazón
¿Cuál es la razón de ser de las imágenes visuales empleadas en el culto católico? ¿Constituyen ellas una especie de idolatría? Es decir, ¿no contradicen ellas lo ejemplificado por Abraham, quien en la pagana Caldea destruyó los ídolos que fabricaba su padre? ¿No son tales imágenes una trasgresión de lo expresado por Dios como mandamientos en la Biblia? Específicamente: "No te harás imagen ni ninguna semejanza de lo que hay arriba en el cielo, ni abajo en la tierra, ni en las aguas debajo de la tierra. No te inclinarás ante ninguna imagen, ni las honrarás; porque yo soy el SEÑOR tu Dios (Éxodo 20:3-5 y Deuteronomio 5:7-9").[1]

Nótese que existen discrepancias en el modo que católicos y protestantes interpretan estas palabras (cuya última fuente de inspiración no es sino la Biblia Hebrea). Los católicos reconocen que la prohibición acerca del culto a las imagenes se halla de hecho expresada en el texto bíblico, no obstante evitan aplicarla dado que siguen lo establecido en el Segundo Concilio de Nicea, que tuvo lugar en el año 787 de la era común promoviendo que la Encarnación equivale a una revocación práctica de la prohibición a la idolatría. Con todo, los protestantes, al igual que los hebreos y los musulmanes, respetan y siguen lo establecido por el texto bíblico original.

Considerando la tradicional idea de Imitatio Christi, ¿resultan las imágenes visuales empleadas en el culto católico compatibles con el ejemplo dado por Jesús a lo largo de su vida?

¿Se inclinó Jesús alguna vez ante algún ídolo?

Jesús respetaba las tradiciones mosaicas

Y valga lo mismo para sus apóstoles, ¿rindieron ellos culto a imágenes de Jesús o la Virgen María?

Efigies católico-apostólico-romanas: Res católica del Museo de San Juan, Sagrado Corazón de Jesús, Purísima Vírgen del Puy, variopintas Vírgenes del Sagrado Corazón, Iglesia Triunfante y Vírgen fluorescente.

En lo que concierne al culto católico, tal como se desarrolla desde el siglo XVII (con la así llamada "Contrarreforma") y desde entonces: ¿constituye la presencia de imágenes esculpidas y/o pintadas una especie de idolatría: ¿sí?, ¿no?, y ¿por qué?

El legado pagano: lo bello es lo bueno y lo verdadero

Imagen decimonónica de Jesús no exenta de un sentimentalismo rayano al kitsch. La estampa transmite no sólo ternura sino además un ideal colonialista, eurocéntrico y racista.

Abuso iconográfico: un fenómeno que no pasa moda

Casos de apropiación ilícita y abuso iconográfico de la imaginería visual cristiana que rozan la blasfemia: La Pasión del Cristo en manos de Mel Gibson se vuelve una excusa para promover una nueva ola de desencuentros interreligiosos y ganar enormes cantidades de dinero propagando a los cuatro vientos un sadomasoquismo sin precedentes; Jesucristo gesticulante y adaptado a las necesidades neuróticas de afecto de no pocos norteamericanos; María presentada como envase descartable; Papá Noel crucificado bajo la estrella de Belén; Jesús sonriente y exhibiendo un tatuaje con la cruz latina literalmente penetrando el corazón de Dios Padre; Jesús como entrenador que juega a la pelota con infantes; la Vírgen de Guadalupe y el Cordero de Dios adornando el fondo de ordinarios relojes pulsera.

Especulación pseudo-científica: agregar sal a las heridas

Reconstrucción hipotética de la apariencia de Jesús, Inglaterra, BBC, 2001, programa "Hijo de Dios".[2] A diferencia del euro-Jesús decimonónico, este Jesús es afro-oriental; y la tosquedad de sus rasgos tien no poco de aquella del hombre primitivo que suele ser exhibido en las vitrinas de los antiguos museos de ciencias naturales.

Volver a Ur. Según la tradición oral común a las tres religiones monoteístas, el joven Abraham (que aún se encontraba en Caldea), expresó que los ídolos tienen pies pero no pueden caminar, tienen ojos pero no pueden ver, tienen orejas pero no pueden oír, tienen brazos pero no pueden ayudar. Acto seguido los destruyó, cosa que constituye una victoria espiritual sobre la idolatría practicada por el antiguo mundo pagano.

Abraham destruye los ídolos, siglo XVII aEC.

El Mahzor de Leipzig presenta los sucesos que tuvieron lugar luego de que Abraham haya destruido los ídolos: sentenciado a morir en la pira del caldeo rey Nimrod, Abraham es recatado por la mismísima mano de Dios.

Mahzor de Leipzig, manuscrito hebreo, c. 1300. Biblioteca de la Universidad de Leipzig, Ms. V. 1102

Según el Midrash y el Corán,[3] Abraham trató de convencer a su propio padre acerca del sinsentido del rezar a los ídolos. En cierta oportunidad en la que Abraham se quedó solo y a cargo del negocio de ídolos de su padre, tomó un martillo y los destruyó todos, con excepción del mayor de ellos. Seguidamente colocó el martillo en la mano del ídolo no destruido. Cuando su padre regresó y le preguntó qué había sucedido, Abraham respondió que "los ídolos se pusieron a pelear entre ellos y el mayor terminó con todos los demás." Su padre reprochó: "No seas ridículo. Los ídolos no tienen vida ni poder. Ellos pueden hacer nada." A lo que Abraham respondió: "¿Para qué les rezas entonces?"

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Joven judío retratado como Cristo, óleo, siglo XVII. Invitando a la reflexión, la pintura de Rembrandt sugiere el triunfo de la espiritualidad sobre la materia. No se trata de una obra para ser adorada, sino una para contemplar.

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Notas
1. Sagradas Escrituras, 1569.
2. Giles Wilson, So What Colour was Jesus?, BBC News Online Magazine, 27.10.2004; Forensic Image, Rejesus, Faces of Jesus. Ver tambien Mike Fillon, The Real Face of Jesus, Popular Mechanics, 7.12.2002
3. Midrash, Bereshit Rabba 38:13-16; Corán, Sura 21: 51-70; ver también Wikifrancesa.

3.1.12

Similitud • Similarity




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Abstracción, por Piet Mondrian

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Transformación, por Matt y Sophie Nice

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Impresión, por Claude Monet

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Violencia, por Quino

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Simultaneidad, por Mariano Akerman


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