Todo pasa y todo queda,
pero lo nuestro es pasar,
pasar haciendo caminos,
caminos sobre la mar.
...
XXIX
Caminante, son tus huellas
el camino y nada más;
caminante, no hay camino,
se hace camino al andar.
...
Caminante no hay camino
sino estelas en la mar...
Antônio Machado, Provérbios e cantares, 1909
Tudo passa e tudo fica,
porém o nosso [a nossa condição humana] é passar,
passar fazendo caminhos,
caminhos sobre o mar.
...
Caminhante, são tuas pegadas
o caminho e nada mais;
caminhante, não há caminho,
se faz caminho ao andar.
...
Caminhante não há caminho,
senão sulcos no mar…
Caminante: no hay camino | Caminante: não há caminho
Vincent van Gogh, El pintor camino a Tarascón, 1888
Alberto Giacometti, El hombre que camina, 1960
Joan Manuel Serrat, Cantares, 1987.
Francis Bacon, Estudio del cuerpo humano, 1988
Hombre-árbol, 2009
Caminante: ¿no hay camino? | Caminante: não há caminho?
Ephraim Moses Lilien, Abraham contempla las estrellas, 1908
Lo nuestro es pasar | A nossa condição humana é passar
Pasar haciendo caminos, caminos sobre la mar | Passar fazendo caminhos, caminhos sobre o mar.
Machado: Lo nuestro es pasar haciendo camino sobre la mar. Pero, ¿es posible abordar la vida como si fuese una tabula rasa? Porque existe siempre un contexto y también una actitud. Además también acervo espiritual, principios éticos e integridad. Todos ellos pueden o no estar presentes mientras vamos haciendo camino. Machado se refiere al valor de experiencia propia. Pero, lo que dejamos en este mundo una vez que pasamos por él, ¿es tan solo estela en la mar? Indudablemente no podemos sino recorrer nuestro propio camino, pero ¿qué hay de la intención que ponemos al hacerlo? ¿No es acaso ella determinante de nada? ¿Es lo mismo quien anda inscribiendo su nombre en alguna piedra que quien, con voluntad de servicio, da de sí a quien lo necesita? La vida es andar haciendo camino, sí. Pero eso no necesariamente implica andar saltando charcos ni hacer las cosas a la que te criaste. —Mariano Akerman
¡Avancen nomás muchachos! Imagen dedicada a quienes proclaman que la vida es solo un pasar haciendo estelas sobre la mar.
ESTELAS EN LA MAR... o "Todo es igual, nada es mejor". El que 2caminante no hay camino, se hace camino al andar", a esta altura del campeonato, todos lo sabemos muy bien. Difícil de aceptar es la idea de que la huella que se deja en este mundo no sea sino una mera estela en la mar. PORQUE eso implica que haga uno lo que haga, ello no tiene demasiada importancia. Tácitamente, Machado da a entender que relativa es la importancia de qué es lo que hacemos e incluso cómo es que lo hacemos. Todo lo que hace el hombre es entonces vanidad de vanidades y la vida está solo para ser consumida, cómo a uno le dé la mismísima gana. A diferencia de André Maurois, quien escribió acerca de tener un Proyecto en la vida y de esmerarse en Ser una de esas personas que nunca decepcionan, Machado nada dice de ningún objetivo significante para con ella. Hay muchos modos de hacer camino: la anomia es uno de ellos; la mediocridad y el consumismo son otros; y podría pasarme la vida enlistándolos a todos... No pienso que el hacer de quien tiene en la vida un objetivo significante deba ser presentado como mera estela en la mar. Hay quienes destruyen puentes y hay quienes los construyen. Hay quienes están en el pasatismo y quienes trascienden esa condición, especialmente a través de actos creativos o gestos nobles diversos. En el mismo lodo no estamos todos manoseados: manoseado está quien se deja manosear. Tal decisión no tiene nada que ver con el pasatismo SIMPLISTA que acaso involuntariamente EMANA de los ya mencionados versos de Machado, a los que yo celebraba cuando adolescente, pero que hoy poco y nada tienen que ver conmigo. Quien vegeta, consume y está en el pasatismo deja en efecto estelas en la mar. Con todo, Machado parece haberse olvidado de que hay en este mundo gente que es emprendedora (sin por ello ser oportunista), gente que es sensible (y no por ello sensiblera) y gente que brilla (porque se ha esmerado en aprender a encender su propia luz). Pasar pasamos todos. Hay quien vino al mundo para consumir, pero también existe quien, además de consumir esto o aquello, se hace tiempo para cultivar, para regar, para proteger, para preservar, para ver crecer, para compartir, para dar de sí a los demás, para dejar algo de sí a las presentes y futuras generaciones. Es en este sentido donde los versos de Machado popularizados por Serrat patinan y se me hunden en la mar. La grandeza de un ser no está en cómo la sociedad recibe y valora o NO su quehacer, sino en su perseverancia para con el Propósito, o sea, en su Construir Puentes. —Mariano Akerman
Programa Estímulo Vesalius
La obra de arte como estructura expresiva interdisciplinaria
MARIANO AKERMAN
Investigador y Disertante
Río de Janeiro, Brasil, 2014/2015
Vesalius Río 2015: Un Programa Estímulo
En una Europa donde a principios del siglo XVI aún prevalecía la oscuridad del preconcepto acerca de la real constitución interna del cuerpo humano, Andreas Vesalius consiguió desarrollar un trabajo inédito, completando la primera disección del cuerpo humano de un modo exhaustivo.
Resultado de la aplicación del método empírico, todo aquello descubierto por Vesalius fue registrado en su trabajo titulado La fábrica del cuerpo humano (1543), obra caracterizada por la sistematicidad y el rigor científico.
Hasta hoy, la contribución de Vesalius posee una importancia cardinal entre los anatomistas. Vesalius es además apreciado como un gran pionero en la lucha contra el prejuicio a través de la investigación científica.
“Veredicto primero; argumentos después” exige desde su irracionalidad la Reina de Corazones en una bien conocida obra literaria decimonónica. Y, con todo, cuatrocientos años antes, Vesalius ya había acabado con varias de las irracionalidades hasta entonces dominantes en Occidente y—lo que más importante aún—lo había hecho de un modo deductivo y convincente.
Inspirado por la luz que emana del modus operandi del médico renacentista de Bruselas, el Programa Vesalius reexamina las Artes Visuales como disciplina.
Mariano Akerman explora la naturaleza didáctica de la serie de láminas que ilustran el tratado anatómico de Vesalius, estudia las especificidades y representaciones características del simbolismo hebraico medieval, reconsidera las alegorías occidentales de la Fe, desarrolla el trasfondo existencial de la creatividad sefardita, medita sobre las razones últimas que sustentan tanto la propaganda totalitaria como aquellas expresiones que testimonian y/o evocan el mayor genocidio de la Historia, reconsidera asimismo el papel de lo Imaginario en trabajos artísticos de tanto brasileros como argentinos, para reconectarlos con algunos de sus parientes europeos.
A través de su quehacer metódico, Vesalius iluminó diversos aspectos de una realidad hasta entonces poco conocida y a menudo sólo abordada desde el prejuicio. Evocando el método deductivo del médico de Bruselas y trabajando de un modo analógico, el Programa Vesalius propone esclarecer una serie de importantes tópicos que aún permanecen un tanto oscuros y requieren a su vez una investigación endodérmica de la Anatomía del Arte.
Programa Estímulo Vesalius
La obra de arte como estructura interdisciplinar expresiva
Mariano Akerman en 12 Conferencias sobre el Tema: "Imagen y Contenido"
Río de Janeiro, Brasil, 2014/2015
Conferencias
1 Texto Sagrado y Arte Visual
2 Jaque a la Reina
3 Un Tiempo para Todo •Ciclo: "Patrimonio e Identidad" •Centro de Estudos Bíblicos •R. Gen. Severiano 170 - Botafogo •2, 9 Setiembre, 21 Octubre 2014
4 Simbolismo Hebraico: Sus Especificidades • y Representaciones en la Edad Media •Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro •Escola de História - 6ª Jornada de Estudos Medievais •Av. Pasteur 458 - Urca •2 Septiembre 2015
5 Cultura y Propaganda
6 Tragedia y Recuerdo
7 Memoria y Educación •Ciclo: "Acervo y Memória" •Associação Scholem Aleichem de Cultura e Recreação •São Clemente 155, Botafogo •4, 18, 25 Octubre 2015
8 Vesalius: El Homem en el Centro •Istituto Italiano di Cultura di Rio de Janeiro •Casa d'Italia, Av. Presidente Antonio Carlos 40, 4º andar - Centro •15 Octubre 2015
9 El Legado Sefardita en las Artes Visuais •Instituto Cervantes •R. Visc. de Ouro Preto, 62 - Botafogo •28 Octubre 2015
10 Sueños de Pintores y Configuraciones de lo Imaginario ••Instituto Cultural Brasil-Argentina ••Praia de Botafogo 228, Sobreloja, Botafogo ••5 Noviembre 2015
11 Ayer y Hoy: Alegorías de la Fe en el Arte Occidental ••Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro ••Departamento de Teologia - 50º Aniversario da Declaração Nostra Aetate ••R. Marquês de São Vicente, 225 - Gávea ••10 Noviembre 2015
12 Expresiones en Copacabana: Las Constelaciones Interiores ••Residencia de Bélgica ••Av. Atlântica, Posto 5 ••19 Noviembre 2015
Nota
Conferencia 4. Akerman, arquitecto e investigador de la Historia del Arte, estudia la relativa ausencia de figuras en la tradición hebraica (aniconismo), explorando la relación entre el texto sagrado y el imaginario visual, para caracterizar las especificidades y representaciones propias del simbolismo hebraico medieval.
Mariano Akerman
Nacido en Buenos Aires en 1963, Mariano Akerman es un pintor, historiador del arte y arquitecto argentino. Como investigador y disertante desarrolla actividades educativas que promueven la libre expresión y la participación comunitaria considerando la idiosincrasia y el contexto cultural propios de cada individuo.
En 1982 Mariano Akerman inicia sus estudios de arquitectura en la Universidad de Belgrano, de donde egresa con un trabajo premiado, La naturaleza del espacio y los límites de la arquitectura (1987).
Su interés por la Historia de la Arquitectura lo lleva a estudiar en detalle un proyecto paradigmático de Louis I. Kahn y a difundir sus conclusiones sobre el mismo a partir de 1996.
Becado por el Consejo Británico e investigando en la Galería Tate de Londres, Akerman escribe The Grotesque in Francis Bacon's Paintings (Lo grotesco en las pinturas de Francis Bacon) en 1999. El tema es retomado y ampliado en un artículo publicado en 2012.
A partir de 1981 Akerman da conferencias en instituciones tales como el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, el Museo Nacional de Filipinas en Manila, el Colegio Escandinavo Hooptes Stajärna en Taytay, la Academia Nacional de Artes en Lahore, la Universidad Quaid-i-Azam en Islamabad y el Centro de Estudios Bíblicos de Río de Janeiro.
Especializado en Comunicación Visual, Akerman desarrolla también series de conferencias, concursos, talleres y exposiciones educativas en varios países: ha colaborado con las embajadas de Bélgica, Suecia, Francia, Alemania y Suiza, incluyendo también aquellas de su país natal.
Emprendedor independiente y multidisciplinario, Akerman ha sido distinguido con doce premios internacionales en materia de arte y educación. Durante más de tres décadas de actividad, y habiendo frecuentado instituciones culturales y educativas, Mariano Akerman ha dado ciclos de conferencias tanto en Argentina como en Filipinas, Pakistán y Brasil.
Programa Estímulo Vesalius: Anatomía del Arte
La Obra de Arte como Estructura Interdisciplinar Expresiva
Programa Estímulo Vesalius: Anatomía del Arte La obra de arte como estructura interdisciplinar expresiva
Río de Janeiro, Capital Cultural del Brasil, 2014/2015
Si bien Enrique Santos Discépolo difícilmente exageraba al afirmar que "el mundo fue y será una porquería",[1] uno de los mejores antídotos ante tamaña elucubración porteña e inagotable fuente de desestabilización existencial es el descubrir la producción plástica de Néstor Rubé, cuyos acrílicos sobre papel se exhiben actualmente en la Galería Antonio Berni del Instituto Cultural Brasil-Argentina, en el Consulado General de la República Argentina en Río de Janeiro. La muestra cuenta también con los auspicios del Instituto Cervantes en Río de Janeiro y del catalán Institut Ramon Llull.
Néstor Rubé Gazzola es un arquitecto argentino y desde hace cuarenta años reside en Barcelona. A diferencia de esos veinte años que, según algún otro tango, se supone que no son "nada",[2] los cuarenta años en Barcelona, de hecho, sí son algo y, posiblemente sean además algo considerable. Prueba de ello es la expresiva producción artística de Rubé, desarrollada en parte en el Institut Sant Lluc de Cataluña. Es más, de tal producción emana un mensaje a menudo refrescante.
La obra de Néstor Rubé es figurativa y su foco de interés es el cuerpo humano. Actualmente ya jubilado, Rubé lleva a cabo sus obras a partir del natural y recurre para ello a modelos profesionales, cuyas poses registra al trabajar la pintura acrílica con espátula sobre papel. Es él un incondicional respetuoso admirador de las proporciones anatómicas de sus modelos. Además, captura con sensibilidad las actitudes corporales de los mismos.
Como resultado de ello surge un amplio espectro de desnudos en poses clásicas o bien que a veces no lo son tanto. Mas, indudablemente, el cuerpo humano es para Rubé el medio ideal para conjurar todo tipo de emociones y es a partir de él que todo tipo de sensaciones y sentimientos de lo más diverso afloran en el artista, quien con celeridad logra registrarlos y plasmarlos en su obra.
"Desnudos con espátula en 5 minutos" anuncia la elegante invitación para la muestra de Néstor Rubé en la Galería Berni. Y, aunque a algunos les cueste creerlo, no se trata de broma ni exageración ninguna. Rubé mismo acabó por demostrárnoslo a todos gracias a una puntual experiencia artística. En la misma, y al cabo de unas cuántas aplicaciones de su espátula cargada con acrílico, el pintor ejecutó tres obras en pocos minutos. Claro que hubo quien cronometró el quehacer de Rubé y hasta casi llegó a reprocharle que "no fueron 5 minutos, sino 4 y medio". Sea como fuere, lo cierto es que el rigor profesional que Rubé pone en práctica al realizar sus trabajos es unánimemente apreciado.
Ludwig Mies van der Rohe solía decir que "menos es más".[3] Ello es perfectamente aplicable a las obras de Rubé, donde con no más de tres colores el pintor transcribe, como si fuese una especie de taquígrafo del siglo XXI, las irresistibles voluptuosidades de la humana carne, transformándolas a todas ellas—con una maestría no exenta de considerable gracia—en poesía visual.
La desnudez de los modelos representados también es compatible con el ya enunciado lema arquitectónico. Rubé incluso llega a prescindir del vestuario, mientras que cada obra suya presenta casi indefectiblemente un único protagonista, perfectamente bien emplazado en el formato rectangular al que el pintor por lo general suele darle preferencia. En parte debido a lo notado, las pinturas de Rubé se presentan despojadas, tanto de ornato como de anécdota: es el suyo un asunto deliberadamente antropocéntrico.[4]
Efectivamente, la figura humana es la gran estrella de Rubé quien, para dedicarle un protagonismo absoluto, llega a privarla hasta de un contexto. Es por eso que sus desnudos parecen en principio estar flotando en un espacio indefinido. No obstante, una reexaminación de los mismos tiende a demostrar que, en el caso de Rubé, eso es una ventaja. No se trata de un pintor que sufre de algún desarraigo misterioso, sino de alguien que intenta aplicarle una sabia economía tanto al arte como a la vida.
El factor narrativo brilla por su ausencia en los espatulados desnudos de Rubé, donde el entorno paradójicamente se presenta como un blanquecino panorama de la nada global. Entonces cuando inesperadamente emergen algunas variopintas nociones filosóficas, todas ellas tan deliciosas como lo son inquietantes. Porque aunque poco hable acerca de ello, lo cierto es que Néstor Rubé es un no declarado adherente del existencialismo de Jean-Paul Sartre, cuyo referente cardinal no es otro que El ser y la nada (1943).[5]
Rubé, El origen del mundo, 2015
En conversación con quien escribe, Néstor Rubé eventualmente se refirió a uno de sus desnudos femeninos como “algo bastante osado”, para acto seguido precisar que el título de dicha obra era "El origen del mundo".[6] De modo claro, ello nos remite a Gustave Courbet y su célebre óleo de 1866, L’origine du monde, hoy exhibido en el Musée d’Orsay e involucrando un prominente escorzo parcial, provisto de un par de carnosos muslos entreabiertos que, como si fuesen dos pesados cortinados, se abren ante nuestra mirada, para darle a la genitalidad de la mujer un protagonismo singular e indudablemente más que merecido.
Mas, debe aquí ser aclarado, que bastante lejos se encuentra la obra de Néstor Rubé de las abruptas provocaciones de su predecesor francés, a quien la sociedad parisina una y otra vez no dudaba en excluir de los salones oficiales. Muy diferente, por otra parte, ha sido el efecto producido por la obra plástica de Rubé al ser exhibida a escasos metros de las playas cariocas de Botafogo, donde fue—y aún es—recibida con gran entusiasmo y emoción por parte del público.
Aplicando el necesario rigor que la presente cuestión demanda, el acrílico al que Rubé eventualmente se refirió como "El origen del mundo" sí posee sus referentes visuales en la cultura europea, aunque no necesariamente en el mencionado cuadro decimonónico francés, sino en la heterogénea tradición e innovación itálicas, tanto de la Antigüedad como del Renacimiento. Es de estas últimas de donde proviene la pose de su paganísima Venus representada en plena dolce far niente.[7] Recostada, ella se entrega a un abandono suculento. Indiscutiblemente sensual es su pose que involucra un brazo derecho ya elevado, con el codo doblado y estratégicamente ubicado bajo la cabeza de la diosa del Amor. Debemos recordar que, en la cultura occidental, dicho brazo es apreciadísimo, dado que, entre otras cosas, eleva considerablemente el seno de la diosa y suele así poner a quien la contempla en el papel del fauno que se babea ante el llamado del instinto, cual perrito de Pavlov al sonar la campanilla. Significativamente, la pose en cuestión figura en admirables mármoles clásicos y adquiere un particular encanto en la Venus durmiente pintada por Giorgione en 1505-10 (afortunadamente preservada hasta el día de hoy en la Gemäldegalerie de Dresde).
Giorgione, Venere dormiente, 1505-10
Como si esto no fuera suficiente, todas estas estimulantes características, pero involucrando además los ojos de la protagonista ahora bien abiertos, reaparecen en el Desnudo recostado con almohadón blanco que el vanguardista italo-sefardí Amedeo Modigliani pintó en Montmartre en 1917. Son estos los referentes últimos del cuadro considerado por Rubé.
Modigliani, Nu allongé au cousin blanc, 1917
Respecto a las demás obras de Rubé, los referentes son demasiado numerosos para ser indicados todos aquí. Baste con decir que las poses de sus desnudos son reminiscentes de aquellas desarrolladas por pintores tales como Francisco de Goya y Lucientes, Paul Gauguin y Egon Schiele, entre otros. Con todo, en términos de expresividad y carácter, la obra de Néstor Rubé tiene no poco que ver con la alegría de vivir propia de Matisse y no menos con la refinada sensibilidad de Modigliani.
Néstor Rubé, quien es actualmente padre y abuelo, comenzó su quehacer plástico a una edad bastante avanzada. La madurez que caracteriza su obra es aquella de un hombre con experiencia en la vida. Trabajando sin boceto previo ninguno, Rubé conjuga en su obra el cálculo y el riesgo, atrapando la realidad e impregnándola con una cierta dosis de imaginación. Es por ello que sus desnudos son simultáneamente corpóreos y desmaterializados.
Rubé, Desnudo, 2015
La retina y la mano de Rubé juegan y transforman de un modo consonante aquello que el artista percibe en sus modelos. "Pero lo nuestro es pasar" sostiene un conocido verso de Antonio Machado,[8] casi con toda seguridad inspirado por el severísimo Libro del Eclesiastés, con sus alusiones a la fugacidad de la vida y el carácter transitorio de toda labor humana en este mundo. "Pasar haciendo camino, camino sobre la mar."[9] Aquí al menos en parte disentimos. Porque Rubé sí pasa haciendo camino, aunque no sobre la mar, sino junto a ella. Machado le dice al caminante que "no hay camino, sino estelas en la mar."[10] Y, con todo, estelas también se pueden percibir a medida que Néstor Rubé ejecuta su magia pictórica. "Caminante no hay camino", proclama Machado. Pero esto último se vuelve cuestionable en el caso de Rubé, cuya determinación y empeño en embarcarse a descubrir, del otro lado del océano, un territorio—llámesele—virgen, no pueden sino traer a colación la muy augusta figura de Colón habiendo ya parado el huevo ante Isabel la Católica y estando el genovés ya bien muñido de todos los medios necesarios para abrir entonces aquellas valiosísimas rutas de navegación que hasta el día de hoy siguen conectando no pocos destinos interatlánticos y otros tantos interculturales.
"Vanidad de vanidades. Todo es vanidad y aflicción del espíritu."[11] Bueno, todo no. Casi todo, ya que como conjunto, las pinturas de Néstor Rubé funcionan como una verdadera Oda a la alegría. [12] Recordar conviene aquí que en el mismo Libro de Eclesiastés también se expresa que hay un tiempo para todo en la vida, un tiempo para afligirse y otro para danzar.[13]
Rubé, Desnudo, 2015
Cierto es el que algún día ninguno de nosotros estará en este mundo. Es por ello que inteligente es la actitud de Rubé, quien en su trabajo recurre a la fórmula del Carpe diem.[14] ¿O acaso no son sus desnudos auténticos registros del aquí y el ahora?
A esta altura del campeonato, bien sabe Rubé que demasiado corta es la vida para pasársela uno lamentando cualquier tipo de leche derramada. Y es precisamente aquí donde importantes se vuelven las muy humanas configuraciones de Néstor Rubé, rebosantes todas ellas de espontaneidad y frescura, exultantes asimismo del ímpetu propio de su autor, persona que ama la vida. Tales configuraciones posiblemente inspirarán a varias generaciones venideras, tal vez como lo hacen hoy, particularmente en el caso de todos aquellos que solemos soñar cuando estamos despiertos.
Mariano Akerman
Río de Janeiro, 9 de julio de 2015
Notas y referencias
1. Cambalache, tango, 1934
2. Volver, 1935. En dicho tango se expresa: "Sentir... / que es un soplo la vida, / que veinte años no es nada..."
3. El maestro de la arquitectura moderna esta idea en lengua inglesa, "Less is more."
4. La imaginería de Rubé es heredera del Hombre vitruviano de Leonardo da Vinci.
5. Obra escrita en francés y publicada como L’être et le néant.
6. Néstor Rubé a Mariano Akerman, Galería Berni, Río de Janeiro, 8 de julio de 2015.
7. Expresión italiana que se refiere a la indolencia como el "dulce placer de no hacer nada."
8. Machado, Proverbios y cantares, 1909, poema XXIX. Para un análisis, véase Emilio J. García Wiedemann, "‘Proverbios y cantares’ de Antonio Machado no incluidos en Poesías completas", AIH, Actas XII, 1995, pp. 165-179.
9-10. Ídem.
11. Eclesiastés 1:2, 14.
12. Poema de Friedrich Schiller, compuesto en 1785.
13. Eclesiastés 3:4
14. Horacio, Odas, I, 11: "Carpe diem, quam minimum credula postero" — Aprovecha el día, no creas en el mañana. Se trata de una expresión latina, cuya traducción literal es “toma el día” y que se refiere al aprovechar cada día como si fuese el último.
Nacido en Buenos Aires en 1963, Mariano Akerman es un pintor, arquitecto e historiador argentino. Como investigador y disertante desarrolla actividades educativas que promueven la libre expresión y la participación comunitaria considerando la idiosincrasia y el contexto cultural de cada individuo. En 1982 inicia seus estudios en arquitectura el la Universida de Belgrano, donde recibe un diploma en virtud de un trabajo premiado, La natureza del espacio y los límites de la arquitetura (1987). Becado por el British Council, Akerman escribe Lo Grotesco en las pinturas de Francis Bacon en 1999, retomando la imaginería del célebre artista londinense en un artículo publicado en 2012.
A partir de 1981 Akerman da conferencias en instituiciones tales como el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, el Museu Nacional de Filipinas en Manila, el Colegio Escandinavo Hooptes Stajärna en Taytay, la Academia Nacional de Artes en Lahore, la Universidad Quaid-i-Azam en Islamabad y el Centro de Estudios Bíblicos de Río de Janeiro.
Especializado em Comunicación Visual, Akerman desarrolla también series de conferencias, concursos, talleres y exposiciones educativas en varios países, donde colabora con las embajadas de Bélgica, Suecia, Francia, Alemania y Suiza, incluyendo esto tambiém aquellas de su país natal. Empreendedor independente multidisciplinar, Akerman ha recibido doce premios internacionales en materia de arte y educación. Durante más de tres décadas de actividad, y habiendo frecuentado instituiciones culturales y educativas, Mariano Akerman presentó numerosas disertaciones tanto en Argentina como en Filipinas, Pakistán y Brasil.
Programa Estímulo Vesalius: Anatomía del Arte La obra de arte como estructura interdisciplinaria expresiva
Río de Janeiro, 2014/2015
Sólo después de una o dos observaciones suelo decir algo con certeza. —Vesalius
En una Europa donde a principios del siglo XVI aún prevalecía la oscuridad del preconcepto acerca de la real constitución interna del cuerpo humano, Andreas Vesalius consiguió desarrollar un trabajo inédito, completando la primera disección del cuerpo humano de un modo exhaustivo.
Resultado de la aplicación del método empírico, todo aquello descubierto por Vesalius fue registrado en su trabajo titulado La fábrica del cuerpo humano (1543), obra caracterizada por la sistematicidad y el rigor científico.
Hasta hoy, la contribución de Vesalius posee una importancia cardinal entre los anatomistas. Él es además apreciado como pionero en la lucha contra el prejuicio a través de la investigación científica.
“Veredicto primero; argumentos después” exige desde su irracionalidad la Reina de Corazones en una bien conocida obra literaria decimonónica. Y, con todo, cuatrocientos años antes, Vesalius ya había acabado con varias de las irracionalidades hasta entonces dominantes en Occidente y—lo que más importante aún—lo había hecho de un modo deductivo y convincente.
Inspirado por la luz que emana del modus operandi del médico renacentista de Bruselas, el Programa Vesalius reexamina las Artes Visuales como disciplina.
Mariano Akerman explora la naturaleza didáctica de la serie de láminas que ilustran el tratado anatómico de Vesalius, estudia las especificidades y representaciones características del simbolismo hebraico medieval, reconsidera las alegorías occidentales de la Fe, desarrolla el trasfondo existencial de la creatividad sefardita, medita sobre las razones últimas que sustentan tanto la propaganda totalitaria como aquellas expresiones que testimonian y/o evocan el mayor genocidio de la Historia, reconsidera asimismo el papel de lo Imaginario en trabajos artísticos de tanto brasileros como argentinos, para reconectarlos con algunos de sus parientes europeos.
A través de su quehacer metódico, Vesalius iluminó diversos aspectos de una realidad hasta entonces poco conocida y a menudo sólo abordada desde el prejuicio. Evocando el método deductivo del médico de Bruselas y trabajando de un modo analógico, el Programa Vesalius propone esclarecer una serie de importantes tópicos que aún permanecen un tanto oscuros y requieren a su vez una investigación endodérmica de la Anatomía del Arte.
Sólo después de una o dos observaciones suelo decir algo con certeza. —Vesalius
Texto mínimamente adaptado del original desarrollado por José Ángel González
El fundador de la anatomía moderna corrigió numerosos errores de las obras de Galeno al publicar en 1543 los siete volúmenes titulados De humani corporis fabrica.
Basada en la observación directa de los cadáveres que le proporcionaba un juez, la obra es el primer tratado moderno sobre la estructura del cuerpo.
Nacido en Bruselas en 1514, Vesalio es ahora el centro de una completa exposición en línea de la Biblioteca de la Universidad de Cambridge.
A los 28 años, sin reparar en los gastos, que aforó de su propio bolsillo, y con la obcecada fe de los genios, Andrés Vesalio autoeditó en 1543 una obra en siete tomos que revolucionaría las ideas y concepciones vigentes sobre la anatomía humana, corregiría muchos errores de Galeno de Pérgamo, el médico griego del siglo II en el que todavía confiaba la mayor parte del gremio, y fundaría la práctica de la observación directa, la disección de cadáveres y la cirugía quirúrgica como procedimientos estándar.
Del nacimiento en Bruselas de Vesalio (1514-1564), padre de la anotomía moderna, se cumplen 500 años y muchos de sus descubrimientos todavía son válidos. El libro con el cual revolucionó la medicina y fundó la anatomía moderna lleva por título Andreae Vesalii Bruxellensis, scholae medicorum Patauinae professoris, de Humani corporis fabrica Libri septem (Andrés Vesalio de Bruselas, profesor de la escuela de medicina de Padua, De la estructura del cuerpo humano en siete libros; reproducciones fascsimilares de la obra).
Los tomos, de cien páginas cada uno, fueron impresos en el mejor papel del mercado e ilustrados por artistas de primera fila, entre ellos alumnos de Tiziano. Vesalio debió superar la reticencia y desprecio de los partidarios de Galeno, que le llamaban "barbero" por el uso de la disección de los cadáveres de asesinos ejecutados que le proporciona un juez, y llegó a ser condenado a la hoguera por prácticas que se consideraban anatémicas. Fue salvado por la intervención personal del rey Felipe II que, para guardar las apariencias, cambió el castigo por una peregrinación a Tierra Santa, al regreso de la cual el investigador enfermó y murió en Chipre a los 50 años.
Los 500 años del nacimiento de este pionero valiente y apasionado son celebrados por la Universidad de Cambridge con la exposición on line The 500th Anniversary of Andreas Vesalius (1514-1564): Vivitur Ingenio. La muestra, que parte de los fondos de la biblioteca de la Institución, propietaria de cuatro copias de la primera edición del tratado, dos de la segunda y la única conocida en color del Epitome, una adenda-resumen de los siete tomos coloreada a mano, quiere recordar la "innovación en fondo y forma" de la obra de Vesalio, a quien consideran merecedor de la calificación latina "vivitur ingenio" (tomada de la frase de Virgilio Vivitur ingenio, caeteris mortis erunt, "vida al genio, muerte a los otros"), por su "inclinación natural, capacidad innata y talento".
La exposición muestra varios apartados. Focus on the Frontispiece (Foco en el frontispicio) aprovecha un espectacular grabado coloreado donde Vesalio aparece diseccionando un cadáver y rodeado de estudiosos y público para mostrar la riqueza gráfica, popularidad y precisión que el anatomista quiso dar a la obra. Se sabe con certeza que entre los artistas seleccionados para las centenares de ilustraciones trabajó Jan Stephan Calcar (c. 1499-1546), un alumno destacado del taller de Tiziano, y se ha sugerido que el elenco de los pintores y grabadores contratados por Vesalio incluía también a Domenico Campagnola (c. 1500-1564).
Portraits of Physicians (Retratos de médicos) analiza cómo en el siglo XVI cambió de forma radical la forma de representar a los profesionales de la médicina, que hasta entonces no pasaban de aparecer como personas que simplemente sometían a exámenes visuales frascos con sangre y orina. La situación cambia y en el retrato de Calcar a Vesalius éste aparece, orgulloso y con cierta altanería en el gesto, sosteniendo un brazo diseccionado y sin piel para un estudio profundo de la anatomía.
En Selected Images from the Fabrica (Imágenes seleccionadas de La Estructura) se muestra una colección de los grabados espectaculares de la obra de Vesalio, quien deseaba no solo editar la publicación definitiva sobre la ciencia anatómica (que nunca se había mostrado con tanta exactitud, riqueza y tamaño), sino también impresionar al emperador Carlos de Haubsburgo, de quien llegó a ser médico personal y al que regaló la primera copia del libro, encuadernada en seda de color púrpura imperial y con ilustraciones pintadas a mano. La misma intención se adivina en Paper Bodies (Cuerpos de papel), sección dedicada a los complejos grabados de montajes por capas de los diversos sistemas orgánicos.
Memento mori y The Importance of Bones (La importancia de los huesos) se centran en los avances de Vesalio como estudioso del sistema de huesos del cuerpo, al que consideraba una arquitectura —de ahí el uso del término latino fabrica, estructura— de varios sistemas enlazados.
Vesalio ofreció, entre otros hallazgos, la primera descripción del esfenoides, demostró que el esternón tiene tres partes y describió el vestíbulo del hueso temporal; ofreció las primeras nociones sobre la estructura del píloro y la pleura y la explicación más correcta de la anatomía del cerebro hasta entonces. También refutó alguna de las ideas clave de Galeno, como que los vasos sanguíneos nacían del hígado, como puede verse en Veins and arteries (Venas y arterias).
Scenes of Dissection (Escenas de disección) traza la historia de esta práctica, común desde la Edad Media, pero celebrada primero en recintos cerrados y con limitación de entrada y progresivamente en locales abiertos al público, incluso en teatros. Un último capítulo de la exposición está dedicado al impacto de la obra de Vesalio sobre sus sucesores, que la usaron como libro de referencia y la ampliaron con notas y adendas.
La personalidad del padre de la anatomía —nada humilde, seguro de sí mismo y con contactos en toda Europa— y su dedicación —siguió campañas militares para examinar las heridas de guerra in situ— son innegables para Sachiko Kusukawa, coordinador de la exposición en línea. "Sólo tenía 28 años cuando editó la obra y ya era un consumado médico y anatomista que había logarado hacerse un nombre por sí mismo y desarrollado conexiones en toda Europa. Sus retratos sugieren que confiaba plenamente en sus habilidades. Hoy probablemente lo etiquetaríamos como temerario".
Text kindly provided by The University of Cambridge
Born 500 years ago, Andreas Vesalius has iconic status in the history of science. Cambridge University Library holds several copies of the remarkable books that he published to revive the lost art of anatomy and promote his own career as a physician. Historian Dr Sachiko Kusukawa has curated an online exhibition to celebrate Vesalius's achievements.
"Vesalius's books were complex statements about classical ideals of medicine and the role of anatomy. They demonstrated through their beautiful illustrations his grasp of human anatomy, and the detailed knowledge he’d acquired through carrying out dissections" (Sachiko Kusukawa).
Andreas Vesalius was an ambitious young man who was not shy of self-publicity. Born in Flanders 500 years ago, he had his eye on one of the most prestigious roles in medicine. He sought an appointment as personal physician to the Holy Roman Emperor, Charles V. To optimise his chances, Vesalius set out to demonstrate his extensive knowledge of the workings of the human body. One of the ways he did this was to publish in 1543 an extraordinary tome known as the Fabrica, in reference to its Latin title which translates as ‘Seven books on the fabric of the human body’.
Vesalius dedicated the Fabrica to Charles V and presented the Emperor with a copy of what must be the ultimate CV. “Vesalius was only 28 when he produced the Fabrica and its companion piece the Epitome. He was already an accomplished physician and anatomist. He’d made a name for himself and developed connections all over Europe. His portrayal of himself in his books suggests that he was supremely confident of his abilities. Today we would probably label him as brash,” said Dr Sachiko Kusukawa, who has curated an online exhibition celebrating the 500th anniversary of the birth of Vesalius on the Cambridge University Library website.
In keeping with his objective of promoting his career, Vesalius appears centre stage in the illustration on the frontispiece of the Fabrica. As the historian Dr Andrew Cunningham explains in a short film for the exhibition, Vesalius shows himself as the star of the show, performing a dissection surrounded by crowds of admirers. Most striking are three figures in togas who represent the learning of the ancient world. They are Galen, Aristotle and Hippocrates and their presence in the picture underlines the way in which the scientists of the Renaissance were reviving the hands-on practice of anatomy in classical times after a long period in which it had fallen from favour.
Almost as remarkable as the Fabrica is the Epitome, also published by Vesalius in 1543 and presented to Charles V’s son, the future Philip II of Spain. Now considered watershed publications in the history of anatomy, these books were innovative in both content and form. By means of his text and illustrations, Vesalius sought to restore the art of anatomy to its rightful place as the foundation of medicine. With their daring use of a range of visual devices – from full-length posed figures to classical sculptures to paper pop-ups to illustrate the positions of the organs – both books are nothing less than works of art.
Scholars have been unable to discover how many copies of the Fabrica or the Epitome were produced – but it is likely to have been between 300 and 500 copies, judging from other scientific books of the period. The surviving copies are now scattered worldwide in public and private collections where they are considered rare and precious treasures that capture the essence of an era awakening to scientific endeavour. On the rare occasions that copies come up for sale they change hands for sums that reflect their historical significance as books produced by a man often described as the ‘father of modern anatomy’. In 1998 a copy of the Fabrica that had been presented to Charles V was sold by Christie’s auction house for $1,652,000.
By virtue of Cambridge University’s 800-year-old history, and its legacy of well-endowed libraries and generous benefactions, the University Library is fortunate to have, in its collection of 16th century medical texts, four copies of the first edition and two copies of the second edition of the Fabrica. In addition, the Library has a unique hand-coloured copy of the Epitome once owned by the Professor of Anatomy at Cambridge, Alexander Macalister (1844-1919).
Everything about these books is designed to impress those who came into contact with them. “The Fabrica and Epitome were lavish productions which reflect the skills of the very best artists and craftsman. The wood blocks were cut in Italy and the books were printed in Basel which was then an important centre for printing. These were not text books aimed at students and nor were they made to be taken into the dissection theatre or to the bedsides of the sick or injured," said Kusukawa.
"Rather, Vesalius's books were complex statements about classical ideals of medicine and the role of anatomy. They demonstrated through their beautiful illustrations his grasp of human anatomy, and the detailed knowledge he’d acquired through carrying out dissections. Such books would have been purchased by learned medical colleagues to add to prized collections of weighty tomes of knowledge."
“At a time when most medical texts were small notebooks, Vesalius opted for a big-is-beautiful approach. The Fabrica measures 43 cm by 27 cm and the Epitome is even larger at 55.8 cm by 37.4 cm – and their generous dimensions allowed Vesalius to commission illustrations that work on a grand scale. The illustrations are wood cuts. It’s a technique in which the space between the lines in finished image is created by using a knife to cut away the surface of the wood block and the skills required to achieve the fine lines in the illustrations are quite exceptional,” said Kusukawa.
No-one knows for certain the identity of the artists whom Vesalius commissioned to produce the 300 or so illustrations that feature in the Fabrica and Epitome – though past scholars have speculated that Vesalius worked with the Venetian painter Titian or one of his pupils. What is certain is that Vesalius must have collaborated closely with his artists and craftsman to translate his first-hand knowledge of the anatomy and morphology of the human body into drawings. As a fusion of science and art, the illustrations reflect the artistic conventions of the Renaissance – for example in the stance of the human figures and the idyllic landscape backdrops in which they are posed.
An ingenious use of paper cut-outs and pop-ups to show the positioning of the organs in the body was developed by Vesalius in partnership with the artists and craftspeople involved in the production of his books. They are a neat solution to the problem of showing how the body is composed of layers and how its component parts work together. Decorated initial letters to the sections of and within the books are another notable feature. Each decorated letter tells a story relevant to the text: one shows grave robbing for corpses to dissect, another suggests how to boil a body in a cauldron, and yet another how to articulate a skeleton.
Vesalius means weasel and it was a name of which the great anatomist was proud. The illustration for the frontispiece of the Fabrica is topped by a coat of arms bearing three weasels and held aloft by a pair of chubby putti. Vesalius’s strategy to impress the powerful inner circle of Charles V paid off: in 1543, immediately after the publication of the Fabrica, he was appointed physician to the Holy Roman Emperor. Five hundred years after his birth, copies of the books he produced exist in the collections of one of the world’s most important and extensive libraries. The Fabrica and Epitome continue to impress all who see them – and now for the first time they can be viewed online with an accompanying commentary highlighting some of their remarkable features and setting them in historical context.
In her book Picturing the book of nature: image, text, and argument in sixteenth-century human anatomy and medical botany (University of Chicago Press, 2012) Sachiko Kusukawa discusses some of the images that feature in the Fabrica and Epitome.
• Vesalius: "I am not accustomed to saying anything with certainty after only one or two observations."
Importancia y legado de Vesalius
Nicolás Copérnico y Andreas Vesalius son dos hombres clave para la ciencia moderna. En tiempos del Renacimiento, ambos trabajaron partiendo de la observación directa de sus respectivos objetos de estudio. Copérnico pertenece al área de la astronomía y escribió De revolutionibus orbium caelestium; Vesalius llevó a cabo las primeras disecciones completas del cuerpo humano y es autor de una obra titulada De humani corporis fábrica (Sobre la estructura del cuerpo humano).
Andreas Vesalius es el fundador de la anatomía científica moderna.
A través de su investigación y publicaciones, Vesalius se propuso cambiar el método didáctico, emplear ilustraciones, corregir a Galeno e incorporar nuevos hallazgos.
Vesalius perteneciá a una familia con varias generaciones dedicadas al servicio médico de diferentes soberanos europeos.
Se educó en Bruselas y Lovaina donde, entre otras materias, aprendió latín, griego, árabe y hebreo.
Vesalius basó sus estudios anatómicos en la observación directa, realizó estudios basados en disecciones de cuerpos humanos, replanteó la medicina de su época y expuso una nueva forma de replantear el conocimiento existente.
Dedicó su obra al emperador Carlos V.
El su Fabrica, Vesalius presenta sus estudios de los músculos; venas, arterias y nervios; vísceras; estructura ósea.
Publicó además el Epitome, versión abreviada de su trabajo para estudiantes de medicina, dedicándosela al entonces príncipe Felipe. En el Epítome, Vesalius trata los aspectos destacados de toda disección.
En su Fabrica, Vesalius provee la primera descripción completa de los huesos esfenoides, el sacro y el esternón, el vestíbulo, el omento, el píloro, el apéndice, el mediastino y la pleura.
Vesalius es el descubridor de la vena ácigos y el ductus venosus.
Provee una valiosas descripciones del corazón y el cerebro.
Durante años Vesalius trabajó como médico imperial, dedicándose posteriormente a la enseñanza en varias universidades europeas. Finalmente realizó una peregrinación a Tierra Santa.
Aportes de Vesalius al conocimiento anatómico:
• Sustituye la anatomía libresca de los glosadores de Galeno por otra, fiel a la realidad y basada en su propia experiencia de disector.
• Corrige numerosos errores descriptivos de Galeno.
• Añade varios descubrimientos y nuevas metodologías de trabajo.
• Describe con claridad numerosísimas partes del cuerpo humano.
• Utiliza con habilidad, belleza y eficacia inéditas ilustraciones anatómicas, que transformaran el modo de trabajar de sus colegas, tanto médicos como artistas.
Andreas Vesalius's De Humani Corporis Fabrica is one of the most influential works in the history of Western medicine. It was conceived and written by 28-year-old Andreas Vesalius (1514-1564), a professor at the University of Padua. Vesalius was both a gifted dissector and a learned scholar whose great contribution was to apply to anatomy the critical methods developed by the Renaissance humanist scholars.
Vesalius was a man who almost single-handedly laid down the foundations for modern anatomical study. Born into a family of imperial physicians in Brussels 500 years ago (December 31st 1514), Vesalius decided to embark on a medical career in his early youth. He exploited fully the freedom of his education at Louvain, Paris, and later at Padua, becoming Professor of Anatomy at the latter institution the day he graduated. Through this appointment, Vesalius was given the luxury to personally dissect and lecture on the human body, and having demonstrated skills beyond his years – he was barely 23 years of age –, he gathered a large and growing following.
Through his new method of instruction, the young anatomist was faced with the many anatomical errors made by his ancient and revered preceptor Cladius Galen of Pergamon (129-c.200), a man whose works were deemed Gospel for many centuries and were then making a new revival in renaissance Europe. The authority of Galen was not without justification, but the blind reverence of his followers meant that many of his anatomical mistakes – that were made by the necessary juxtaposition of primate onto human anatomy in a time when human dissection was illegal in Hellenistic Rome – were to be defended and perpetuated indefinitely. Vesalius gradually grew out of his reverence for Galen, and in doing so looked onto the fabric of man with fresh eyes. He was bitterly opposed for his stance on Galen, most famously by his former teacher at Paris, Jacobus Sylvius (1478-1555) who also features in this video.
In 1543 came Vesalius' masterwork, the de humani corporis fabrica libri septem (On the fabric of the human body in seven books). This work, a tour de force in the world of renaissance medicine, marked a grand epoch in the history of anatomical study, and has been widely applauded for its innovations in both artistic and medical spheres. In its masterly textual descriptions of anatomical structures, and its embellishment with exquisitely beautiful and touchingly allegorical anatomical woodcuts, the Fabrica remains one of the most important anatomical texts ever compiled. The fate of this work was aptly prophesized by the author himself in a subscript to the second skeletal figure (6:47, left image) found in Book I of his master piece: Vivitur ingenio, caetera mortis erunt – that is “Genius lives on, all else is mortal.”.
Despite incessant opposition and ongoing scrutiny for his works from a number of ungenerous detractors, Vesalius paved his way into the Imperial Court shortly after publishing the Fabrica and served as physician to Charles V until the emperor’s abdication in 1556. He then served as house physician to the emperor’s son King Philip II of Spain and settled down as a successful practitioner in Brussels. Towards the end of his life, Vesalius envisaged returning to Padua to continue anatomical studies but his plans were disrupted by his tragic and isolated death on the Greek Island of Zante, where his returning ship was forced to dock after 40 days of battling heavy gales in the Ionian Sea. His gravestone has since been lost.
It is difficult to speak in measured terms about the influence of Vesalian anatomy on the development of modern medicine, but it would not be too much to say that every practical advancement in the profession may be linked to the proper understanding of the Fabrica. Andreas Vesalius therefore remains a hallowed figure in medical historical circles.
Ref. Educación, Conferencias, Actividades sin fines de lucro, Cultura, Ciencia, Medicina, Anatomía, Artes Visuales, Disección, Ilustración, Rio de Janeiro, Consulado Geral da Bélgica, Brasil.
Compilación e investigación de recursos visuales y literarios con secuencia, consideraciones y traducciones por Mariano Akerman
Simultáneamente frontal y otro tanto de perfil. ¿Acaso esta cara sefardí no sería una reveladora fuente de inspiración para no pocos retratos picassianos? - Pregunta retórica del investigador
Sinagoga Mayor de Toledo
Templos
200-1200 Sinagoga de Barcelona
1180 Sinagoga Mayor de Toledo (Santa María la Blanca)
1267 Sinagoga Ramban (fundada por Maimónides), Jerusalén
1315 Sinagoga de Córdoba, España
1350 Sinagoga de Dubrovnik, Croacia
1357 Sinagoga de Samuel ha-Leví, Toledo (El Tránsito)
1440 Sinagoga de Tomar, Portugal
1500-1800 Las Cuatro Sinagogas Sefardíes, Jerusalén: Eliyahu Ha-Naví (siglo XVI), Yojanán Ben-Zakai (1610), Istanbúli (1764) y Kahal Tzión (último tercio del siglo XVIII)
1580 Scola Espagnola, Venecia
1671 Esnoga o Sinagoga Portuguesa, Ámsterdam
1701 Sinagoga Bevis Marks, Londres
1724 Sinagoga Nevé Shalóm, Paramaribo, Surinam
1730 Sinagoga de Curazao
1762 Sinagoga Touro, Rhode Island, USA
1902 Sinagoga Shaarei Tikvá, Lisboa
1909 Sinagoga de Sofía, Bulgaria
1923 Sociedad Or Torá, Buenos Aires
Manuscritos miniados hispanojudíos
1260 Biblia de Burgos, llamada también "Keter Damascus"
1290 Biblia de Parma
1300 Biblia de Cervera
1300 Hagadá Prato
1300 Hagadá Hispano-Morisca
1300-50 Sidur Hamilton
1320 Hagadá Sassoon
1320 Hagadá Dorada
1325 Hagadá Hermana de Barcelona
1325 Biblia Harley, Cataluña
1340 Hagadá de Barcelona
1350 Hagadá Sarajevo
1350 Hagadá Rylands - Manchester, Rylands U, Heb. Ms 6
1348 Guía de Perplejos (Maimónides, 1140), Cataluña
1360 Biblia Catalana del Duque de Sussex
1375 Hagadá Hermano de Cataluña - BL Oriental 1404
1384 Biblia Real, Solsona
1430 Biblia de Alba
1470 Biblia de Copenhague
1472 Mishné Torá Lisboa (Maimónides)
1476 Biblia Kennicott, La Coruña
1480 Ketubá de Segura
1482 Biblia de Lisboa
1498 Biblia Italiana del Duque de Sussex
1553 Biblia de Ferrara
Caminos de Sefarad. Durante muchas centurias, hasta 1492, la Península Ibérica fue un mosaico, un hervidero de pueblos, culturas y religiones. La presencia hasta esta fecha de comunidades judías esmaltó la geografía urbana de la península. Estas comunidades desarrollaron su propia cultura, practicaron sus costumbres y su religión y desarrollaron su vida social en estrecho contacto con las comunidades cristianas y árabes, según los casos. La riqueza de esta realidad es una herencia común, un patrimonio colectivo de muchos pueblos de España. Los Caminos de Sefarad son una propuesta de viaje por las juderías más destacadas:
Cáceres. Sobre la extensión más antigua del soberbio conjunto monumental, Patrimonio de la Humanidad, la Judería Vieja se singulariza por su encrespado, irregular trazado combinando vías largas y empinadas con 220 placitas y lugares recónditos.
Córdoba. El racimo de preciosas calles que diseñan la judería, envuelve al viajero con su peculiar embrujo andaluz. Visitar la pequeña sinagoga, los frescos patios interiores, la estatua de Maimónides o la Puerta de Calahorra suponen una experiencia inolvidable.
Girona. Enclave cabalístico de gran prestigio, esta bella judería luce su conservación de las esencias hebreas. Con la bulliciosa calle de la Força, como eje, y callejones tan emblemáticos como Cúndaro o Sant Llorenç, que alberga al Centro Bonastruc ça Porta.
Hervás (Cáceres). Rústica y originalísima, una joya de escuetos y vistosos hallazgos arquitectónicos, apreciados en la disposición de algunas casas construidas con materiales pobres del mismo y humilde río Ambroz que casi lame los bordes pedregosos de la judería extremeña.
Oviedo. La capital del Principado de Asturias fue un significativo enclave judío durante el medievo. Contó con una importante sinagoga que se ubicaba en el interior del bello casco viejo, intramuros de la ciudad por la que los judíos se movían con libertad.
Ribadavia (Ourense). Singularizada por recia y bien conservada piedra caliza de la zona gallega, la personal judería adquiere su mayor prestancia con la celebración de la Festa da Historia, que se celebra en Julio y reproduce vivencias judeoconversas.
Segovia. La ciudad castellano leonesa, patrimonio de la humanidad, cuenta con una valiosa judería rehabilitada que comienza visitando la antigua sinagoga, hoy iglesia del Corpus Christi, y puede concluirse acercándose a los restos del cementerio judío.
Toledo. Todo el laberinto entramado urbano de la judería toledana hace honor, con sus dos emblemáticas sinagogas, la del Tránsito y la de Santa María la Blanca, al prestigio que convirtió a Toledo en centro imprescindible del judaísmo de occidente.
Tortosa (Tarragona). Prestigiosos banqueros, comerciantes y hombres de letras vivieron en la judería catalana, junto a la desembocadura del Ebro. Entonces punto de gran confluencia que todavía hoy seduce por el colorista acento marino de sus calles, travesías y plazuelas.
Tudela (Navarra). Cuna del prestigioso viajero Benjamín de Tudela, el barrio judío tudelano fue centro destacado en la Navarra medieval. Conserva su caótica disposición y el incuestionable estilo hebreo de estrecheces, faroles y sinuosidades urbanísticas (Red de Juderías de España).
Biblia de Ferrara, 1550
Refranero djudezmo
• Kada uno konose las koles de su guerta.
• Kulevra ke no modre, ke biva mil anyos.
• El amigo ke no ayuda y el kuçiyo que no korta, ke se piedran poco emporta.
• De boka en boka la pulga se fizo gamelyo.
• Vos te fraguas kastiyos en Sefarad.
Ruteros Sefardíes
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Lengua, cancionero y melodías. Dice un hermoso refrán sefardí: «Boca dulce avre puerta de fierro»; así la imaginada llave del corazón, quedó para siempre abierta a lo español a través de los siglos, en la memoria de los sefardíes con melodías y palabras, que fueron tejiendo una historia de conmovedora ternura y fidelidad. Después de la expulsión de los judíos el treinta y uno de marzo de 1492, los lazos que los unían a con la Península no quedaron bruscamente interrumpidos. Tanto las comunidades de Oriente, como las del norte de África, por medio de sus relaciones comerciales y culturales con España, siguieron enriqueciendo con nuevas incorporaciones el corpus de canciones y romances aprendidos antes de la diáspora. [...] Hay desde España una enorme deuda de gratitud histórica para con el mundo sefardí. Si con un refrán judeo-español comenzamos estas líneas, bien puede otro ser la llave que las cierre, aunque no para siempre: «Tal árbol, tal fruto; tal padre, tal fijo» (María Luisa García Sánchez, La huella hispánica en el legado musical de Sefarad, Centro virtual Cervantes, 2014).
La Roza i el Papiyon Lina Albukrek-Kohen
Roza i papiyon avlan kon amistad
La povre roza konta kon entimidad
Los muestros destinos son muy diferentes
Kedo sola triste por guertas i montes
Kuando muy muná?áa tu vidas es oroza
Mi vida lamantavle i maloroza
Ma ah ti el ayre te aze bivir
I a mi esta tyerra me aze sufrir
Tu te vas i revyenes al amaneser
I yoro kuando el sol va apareser
Para ke muestras vidas seyan orozas
Toma mi rayis, dame alas ermozas.
La rosa y la mariposa Traducción del compilador
Rosa y mariposa conversan amigablemente;
La pobre rosa cuenta con intimidad
Nuestros destinos son muy diferentes:
Sola y triste permanezco en huertas y montes.
En tanto que feliz es tu vida,
Lamentable y desdichada es la mía.
A tí el aire te hace vivir,
Y a mí esta tierra me hace sufrir.
Tú vas y vienes al amanecer,
Yo lloro ante la salida el sol.
Para que nuestras vidas sean dichosas,
Toma mi raíz, dame alas hermosas.
Raíces a distancia - Fotografía de Mariano Akerman
Las Cuatro Sinagogas Sefardíes se encuentran en el Barrio Judío de la Ciudad Vieja de Jerusalén. Ellas forman un complejo sinagogal que consta de cuatro templos yuxtapuestos e interconectados, construidos y reconstruidos en diferentes períodos para dar cabida a las necesidades religiosas de la comunidad sefardí, cada congregación practicando su propio rito (ya sea sefardí o bien otro). Singularidad e historia del conjunto edilicio. Único en el mundo, el complejo sinagogal sefardí funciona como tal desde hace por lo menos trescientos años.
Las cuatro sinagogas sefardíes: Sinagoga Eliahu Ha-Naví (siglo XVI), Sinagoga Yojanán Ben-Zakai (1610), Sinagoga Istanbúli (1764) y Sinagoga Kahal Tsion (Sinagoga del Medio o Emtsaí, último tercio del siglo XVIII).
Al ser clausurada la Sinagoga de Maimónides (Sinagoga del Ramban, 1267) por el sultán otomano en 1586, dejó de existir el principal lugar de oración y enseñanza para los israelitas; muchos de ellos para ese entonces eran sefardíes e incluso descendientes de los hispanojudíos provenientes de la península ibérica a raíz de las expulsiones de fines del siglo XV. Esas personas se vieron obligadas a orar en privado, dentro de sus hogares.
A principios del siglo XVII fue inaugurado un nuevo templo de cardinal importancia: la Sinagoga Yohanan Ben-Zakai.
En 1835 Mehmet Alí, virrey de Egipto, quien gobernaba Jerusalén en ese momento, concedió su permiso para la restauración y renovación de las diversas sinagogas jerosolimitanas y fue entonces que las cuatro sinagogas sefardíes fueron articuladas en un único complejo sinagogal.8 A la entrada de la Sinagoga Istanbúli puede observarse una placa conmemorativa que se refiere a los trabajos de restauración llevados a cabo en el siglo XIX.
Las instituciones sefardíes, entre las que se contaban los centros de estudio y las organizaciones de caridad, se desarrollaron en torno de las cuatro sinagogas y la importancia de ellas en Jerusalén era tal que, hacia fines del siglo XIX, todos los principales rabinos sefarditas habían establecido sus respectivas residencias en las vecindades del para ese entonces ya muy renombrado complejo sinagogal jerosolimitano.
Durante la Guerra de independencia de Israel (1948-49) y después de la caída del Barrio Judío, las cuatro sinagogas sefardíes quedaron bajo dominio jordano y fueron saqueadas, profanadas y destruidas. Con la entrada de las tropas israelíes en Jerusalén, tras la Guerra de los Seis Días y la subsecuente reunificación de esa ciudad, las cuatro sinagogas sefardíes fueron restauradas por el arquitecto Dan Tanai y subsecuentemente rehabilitadas. Desde entonces acuden a ellas todos los residentes del Barrio Judío, tanto sefaradíes como asquenazíes. Particularidades de cada sinagoga
• Sinagoga Eliahu Ha-Naví. Según cuenta una leyenda, este nombre le fue dado a la sinagoga luego de un acontecimiento que tuvo lugar durante Iom Kipur. Un hombre era necesario para constituir el minián (quórum de diez varones requerido para poder llevar a cabo las plegarias colectivas en la sinagoga). Sin que nadie lo esperase, llegó un hombre desconocido, quien permitió que el rezo pueda tener lugar. Dado que dicho hombre desapareció luego de la plegaria llamada Nehilá, los presentes en la sinagoga tuvieron la certeza de que se trataba del profeta Elías. A raíz de ello, la silla que había usado el desconocido fue trasladada a un recinto especial de la sinagoga, donde fue preservada hasta la Guerra de independencia de Israel en 1948.
• La Sinagoga Yojanán Ben-Zakai es la mayor de las cuatro sinagogas y provee el nombre para todo el conjunto sinagogal sefardí. La descripción más temprana que se conoce acerca de esta sinagoga proviene de un peregrino cristiano del siglo XVI. Según una antigua creencia local, la sinagoga se encuentra en el sitio donde enseñaba el rabino Yojanán Ben-Zakai, líder de aquellos fieles que establecieron en Yavné luego de la destrucción del segundo Templo de Jerusalén.
• La Sinagoga Istanbúli fue construida en estilo otomano por judíos sefardíes provenientes de Turquía y se la llamó "Istanbúli" (איסטנבולי) en honor a Estanbul, capital del imperio otomano desde el siglo XVI en adelante.
• La Sinagoga Kahal Tsion (Congregación de Sion) fue creada en el espacio disponible entre otras dos sinagogas en lo que otrora constituía un patio entre ellas. En tanto que la congregación sefardí creció, albergarla requirió de más espacios disponibles para orar, por lo que el antiguo patio fue techado y finalmente declarado "sinagoga". Es por ello que a este templo se lo conoce como la Sinagoga Emtsaí (literalmente, "sinagoga del medio"), dado que la misma se encuentra precisamente en el medio de otras dos.
Imagen cortesía de Chanan Mazal - Artista de Jerusalén
Versículos bíblicos del mural de la Sinagoga Ben-Zakai
• Salmo 137:5-6. Si me olvidare de ti, oh Jerusalén, Pierda mi diestra su destreza. Mi lengua se pegue a mi paladar, Si de ti no me acordare; Si no enalteciere a Jerusalén Como preferente asunto de mi alegría.
• Salmo 128:5-6. Bendígate Jehová desde Sion, Y veas el bien de Jerusalén todos los días de tu vida, Y veas a los hijos de tus hijos. Paz sea sobre Israel.
Isaías 44:26. Yo, el que despierta la palabra de su siervo, y cumple el consejo de sus mensajeros; que dice a Jerusalén: Serás habitada; y a las ciudades de Judá: Reconstruidas serán, y sus ruinas reedificaré.
• 1 Reyes 11:36. Y a su hijo daré una tribu, para que mi siervo David tenga lámpara todos los días delante de mí en Jerusalén, ciudad que yo me elegí para poner en ella mi nombre.
Borghetti, Monumento al Inmigrante, Rivera, Provincia de Buenos Aires, 1980
Mi puevlo Henriette Asséo
Mi puevlo no lo konosech
anyos atras el egzilyo del luso
la despedaso en mil nasyones
Mi puevlo no vos asemeja
servidumbre del firmamyento
en el Dyo identifyado
Mi pievlo no egziste
zgzilyo de la memorya
a las puertas de los kampos.
Mi pueblo Traducción del compilador
Mi pueblo usted no lo conoce
Tras años de exilo de lujo
Desperdigado por mil naciones
Mi pueblo no se le parece
Servidumbre del firmamento
En el Dios identificado
Mi pueblo no existe
Exilio de la memoria
A las puertas de los campos.
Sefardíes entre las naciones
Tierra Santa 1 400 000
Francia 400 000
Estados Unidos 250 000
Argentina 50 000
Turquía 26 000
Reino Unido 8 000
Marruecos 6 000
Grecia 6 000
Tunisia 2 000
Bosnia-Herzégovina 2 000
Argelia 300
Total 2 200 000
1400-92. Festival prayer book (mahzor) for the whole year, Sephardic rite, with the commentary of Joseph Zaddik: Spain, 15th century. BL Oriental 11594
1400-92. Series of calendrial and astronomical tables, Spain. BL Oriental 11796
"Si no soy yo por mí, ¿quién lo será? Pero si soy sólo para mí, ¿qué es lo que soy?" Citado por Erich Fromm en El Miedo a la Libertad (1942).
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